Revisiter l'album de retrouvailles de Velvet Underground écrit pour Andy Warhol

Le Velvet Underground n'a plus jamais été le même après le départ du violoncelliste et multi-instrumentiste John Cale en septembre 1968. Suite à l'aggravation croissante entre lui et le chef du groupe Lou Reed, le départ de Cale est survenu après que Reed a donné un ultimatum au reste du groupe: c'est soit lui ou moi. Reed avait limogé le manager pionnier du groupe, Andy Warhol, un an seulement auparavant, et donc à la fin de 1968, les trois partisans créatifs de l’un des groupes les plus influents d’Amérique étaient définitivement séparés. Reed lui-même quittera deux ans plus tard.

Dans les années qui ont suivi, les relations entre les trois artistes se sont encore détériorées. Warhol a nourri une amertume envers Reed qui s'est intensifiée après que le chanteur ait refusé de lui rendre visite à l'hôpital après avoir été abattu en juin 1968. Et tandis que les membres de Velvet Underground, Lou Reed, Nico et John Cale se sont réunis sur scène au Bataclan à Paris pour un spectacle unique en 1972, c'était plus une épitaphe qu'un nouveau départ pour le groupe - ce serait la dernière performance de Reed avec Nico. 12 ans plus tard, Reed s'est assis dans la même rangée que Warhol aux MTV Awards 1984 - et l'a évité. Ce serait la dernière fois que les deux seraient vus ensemble en public.



En 1988, 20 ans après Lumière blanche / chaleur blanche , l'album qui avait servi de P45 de Lou Reed à Warhol et à Cale, Andy Warhol est entré à l'hôpital de New York pour une chirurgie de la vésicule biliaire. Il est décédé le lendemain, à seulement 58 ans. La nouvelle a été un choc inattendu qui a résonné dans toute la ville et dans le monde entier. Pour Reed, dont la relation avec Warhol était restée tendue, c'était un moment de réconciliation. Quelques jours seulement après le service commémoratif de Warhol à la cathédrale Saint-Patrick de Manhattan, lui et Cale discutaient de l’idée d’un travail collaboratif en hommage à leur ancien mentor.

Chansons pour Drella sortira finalement le 11 avril 1990 et constitue un travail remarquable dans les carrières de Cale et de Reed. À l'occasion de son 30e anniversaire, Dazed explore la signification durable de ce disque intemporel - la dernière collaboration musicale de Reed, Cale et Warhol.

C'EST LA CHOSE LA PLUS PROCHE QUE NOUS AVONS OBTENUE À UN ALBUM DE LA RÉUNION SOUTERRAINE DE VELOURS

C'est un groupe de rock appelé le Velvet Underground, John Cale chante sur Style it Takes, et à ce moment-là, cela ressemble à un véritable triomphe: le légendaire groupe d'art-rock s'est réincarné, deux décennies après sa désintégration finale. Pendant que Chansons pour Drella n'est pas sorti sous le nom de Velvet Underground, les chansons véhiculent à la fois le son et l'esprit du groupe. En tant que rétrospective sur la vie de Reed et Cale avec Warhol, interprétée par les forces créatives les plus puissantes du groupe, il fallait le faire.



Les accords croquants Work et Starlight rappellent immédiatement la clameur floue de I’m Waiting for the Man, tandis que Images hurle avec un retour et un bruit avant-gardistes, aile Fils européen ou lumière blanche / chaleur blanche. Style It Takes et Hello It’s Me recyclent l’interlopage romantique à la guitare et à l’alto de Sunday Morning et Stephanie Says, tandis que le style narratif de A Dream s’inspire notamment du morceau de Velvet Underground The Gift. Les pianos gazouillés de Smalltown riffent même la balade en comptines de I'm Sticking With You. Et I Believe se rapporte aux retombées d’un événement précédemment abordé par les Velvets sur la poitrine d’Andy: le tournage de Warhol en 1968 par Valerie Solanas.

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Chansons pour Drella n'est pas un pastiche, cependant. Au lieu de cela, cela ressemble à un retour naturel là où Reed et Cale s'étaient précédemment arrêtés. Alors que chacun avait parcouru à la fois de la musique pop acclamée par la critique (Reed's Transformateur ; Cale's Paris 1919 ) and avant-garde experimentation (Reed’s Musique de Metal Machine , Cale's Église de l'Anthrax ' dans les années 70, les années 80 les avaient généralement vus lutter pour maintenir une identité musicale forte. En revenant à leurs racines après 20 ans de réinvention, Cale et Reed ont pu ramener les choses à leurs fondations mêmes sans craindre un mauvais virage.

L’absence notable de batterie dans le disque est le seul changement flagrant par rapport à la formule originale de Velvet Underground; les chansons sont, à la place, propulsées en avant par le grattage furieux de Reed et les pianos sonnants de Cale. La tension entre les deux joueurs étant amplifiée par l’absence de contre-temps, il n’ya pas grand-chose à distraire de l’élément le plus significatif du disque: les paroles.



C'EST UN ALBUM DE CONCEPT QUI RACONTE L'HISTOIRE DE LA RELATION D'ANDY WARHOL AVEC LE VELOURS SOUTERRAIN

L'intention de Chansons pour Drella était de faire un album rock qui raconterait l’histoire de la vie de Warhol à partir des souvenirs positifs que le duo avait de lui. La manière la plus satisfaisante de le faire, aux yeux de Reed et Cale, était de suivre un cycle de chansons qui raconte chronologiquement l’histoire de leurs relations.

Plusieurs chansons sont chantées du point de vue de Warhol lui-même, dont Style It Takes, qui explore les premières rencontres de Warhol avec Reed, et se termine par une liste de films expérimentaux de Warhol. En revanche, Open House donne un aperçu de la vie personnelle particulière de Warhol quand il vivait dans l'appartement au dessus du bar à Manhattan.

Ce n'était pas moi, quant à lui, exprime le rejet par Warhol du blâme pour la mort d'Edie Sedgwick par overdose de drogue en 1971. Épinglé comme un bouc émissaire, il a toujours soutenu qu'il n'était pas responsable des actions du mannequin et de la «it girl». Elle était devenue, au milieu des années 60, accro aux barbituriques à la suite d'un partenariat créatif avec Warhol centralisé dans son célèbre studio d'art et espace de fête, la Factory. Mais au fur et à mesure de la chanson, Je n’ai jamais dit de vous mettre une aiguille dans le bras et de mourir… Vous vous tuez; tu ne peux pas me blâmer.

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IL N'A PAS RÉSOLU ENTIÈREMENT LE FEUD ENTRE REED ET WARHOL

«Drella» était le surnom de Warhol pendant ses années d’usine. Un portemanteau de «Dracula» et de «Cendrillon», il se voulait une affection faisant référence aux deux côtés opposés de sa personnalité. Mais Warhol n’était pas fan de ce surnom - et son utilisation dans le titre du disque permet de souligner la profondeur et la complexité de ses problèmes non résolus et ceux de Reed.

Les premières frictions sont illustrées explicitement dans Work, dans lequel Reed met en évidence les subtilités de sa relation de travail avec Warhol. Il a dit que j'étais paresseux, j'ai dit que j'étais jeune, chante un Reed en colère, révélant une série de tensions entre les deux avant que la chanson ne culmine avec les paroles, Je l'ai viré sur place, il est devenu rouge et m'a traité de rat. C'est cet échange notoire qui a définitivement rompu la relation du couple et un élément de contexte essentiel pour comprendre le disque dans son ensemble.

A Dream, qui récite des passages des journaux personnels de Warhol sous forme de paroles, éclaire la perspective de Warhol des retombées durables. Cale et Reed sont mentionnés explicitement dans les paroles de la chanson - mais celles qui font référence à Reed sont nettement plus mordantes que celles de son coéquipier: Tu sais que je déteste Lou, je le fais vraiment prononce Warhol par la voix de Cale.

L’album se termine par Hello It’s Me, le dernier discours de Lou Reed à Warhol. Je suis désolé d'avoir douté de ton bon cœur / tu me manques vraiment, il chante, avant de conclure par un Au revoir solennel et direct, Andy, le moment le plus émouvant et le plus persistant de l’album. Dans cette allocution finale, Reed confirme que la relation troublée du duo, bien qu’elle soit destinée à rester à jamais résolue, est en fin de compte caractérisée par un amour et un respect durables.

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IL A CONTRIBUÉ DIRECTEMENT À LA SEULE RÉUNION VELOURS SOUTERRAINE EN DIRECT

Lorsque Chansons pour Drella a été libéré en 1990, les critiques et les fans se sont réjouis de la perspective d'une réunion Velvet Underground, malgré la réfutation de Reed à ces affirmations. Mais l'idée a été renforcée par une série de performances de l'album qui ont eu lieu à la Brooklyn Academy of Music et à l'église voisine de St. Ann. C'était l'Amérique qui se rapprochait le plus d'une réforme du Velvet Underground.

Les Européens souhaitant étaient plus chanceux, cependant. En juin 1990, une performance live de Chansons pour Drella à la Fondation Cartier pour l'art contemporain à Paris, pour une exposition sur Andy Warhol, qui s'est terminée par une performance impromptue d'Héroïne avec les autres membres fondateurs de Velvet Underground Maureen Tucker et Sterling Morrison. C'était la première fois que les quatre membres de la formation classique étaient sur scène ensemble en 22 ans. En 1992, le groupe répéta provisoirement ensemble et en 1993, le Velvet Underground annonça une tournée européenne - la première de leur histoire.

La tournée de six semaines finirait par faire peu pour atténuer les tensions préexistantes entre les membres du groupe. Alors qu’un album live enregistré à un triple de spectacles parisiens était sorti, les projets de se produire sur MTV Unplugged et de tourner à travers les États-Unis ont été abandonnés en raison du comportement belliqueux de Reed en ce qui concerne ses revenus financiers de la réunion. Avec la mort de Sterling Morrison en 1995, la réunion européenne se révélera être la dernière, et John Cale jura par la suite de ne plus jamais travailler avec Reed.

JOHN CALE A LIBÉRÉ UNE AUTRE CARRIÈRE FAVORISANT LA MÊME ANNÉE

Immédiatement après la sortie de Chansons pour Drella , John Cale est entré en studio avec l'ancien membre de Roxy Music, Brian Eno. Le pionnier de la musique ambiante et producteur prolifique avait contribué sporadiquement au travail de Cale au milieu des années 70, tandis que Cale avait rendu la pareille en jouant de l'alto sur l'album de 1975 d'Eno. Un autre monde vert . Eno a produit l’album de Cale en 1989 Mots pour les mourants l'année précédente, mais Mauvais chemin serait leur premier album collaboratif complet.

Impressionnant, le deuxième travail collaboratif de Cale en 1990 correspondait à la superbe qualité de Chansons pour Drella , comme les boîtes à rythmes et les synthétiseurs d’Eno complétaient l’œuvre resplendissante pour piano et alto de Cale. Les deux partageaient des tâches vocales - en fait, c'était la première fois qu'Eno était persuadé de chanter intensivement sur un disque pop depuis 1977. Avant et après la science . Spinning Away est peut-être le meilleur moment pop de la carrière de l'un ou l'autre musicien depuis plus d'une décennie.

Comme sur Chansons pour Drella , tensions émotionnelles entre les deux collaborateurs sur Mauvais chemin ont éclipsé la production de l'album - ils sont visuellement incarnés par les cinq poignards sur l'illustration originale de l'album, séparant les profils d'Eno et de Cale. Le titre de l'album lui-même reflète les atouts créatifs prétendument incompatibles des deux artistes. Des années plus tard, Eno décrirait le rôle de Cale comme des éclats de génie entrecoupés d'océans d'inattention, tandis que Cale rétorquait, je n'ai pas encore compris quelle est la notion de coopération ou de collaboration de Brian. Eux aussi ne collaboreraient plus jamais dans un tel format.

C'ÉTAIT LA SEULE MANIÈRE POSSIBLE DE FINIR LES CHOSES

De son vivant, Andy Warhol a été un catalyseur de l'innovation artistique. La figure de proue du pop art n'a pas seulement incarné le mouvement d'art moderne le plus important sur le plan culturel en Amérique, mais il a également lancé la carrière de l'un des groupes musicaux les plus subversifs et les plus influents du XXe siècle: le Velvet Underground. Mais les trois personnes au centre de ce partenariat ont toujours été un noyau instable. Et s'il est normal que la mort de Warhol ait inspiré les retrouvailles du Velvet Underground, il est également tout aussi approprié que ces retrouvailles ne durent pas. Les héritages de Warhol et du Velvet Underground restent donc intacts: ces forces culturelles explosives ont brillé, mais en retour, elles se sont éteintes bien trop tôt.