Les 20 meilleurs films de 2018

En 2018, le cinéma se sent comme un espace plus précieux que jamais. Combien d'autres endroits avons-nous dans le monde où nous allons nous asseoir, dans le noir, avec notre attention entièrement fixée sur une chose pendant au moins une heure? En fait, combien d’espaces avons-nous où il y a un contrat social pour que nous rangions tous nos téléphones? En tant que sanctuaire d'évasion des flux d'informations interminables, le cinéma est l'endroit où nous nous sommes réfugiés cette année. Et grâce à Dieu, nous l'avons fait, car ce fut une excellente année pour le cinéma.

Après une réflexion approfondie et un débat animé, voici les 20 films préférés de Dazed en 2018: des documentaires artistiques nuancés qui ont élargi nos horizons, aux films à succès avec de nouveaux programmes, en passant par la comédie romantique Netflix que nous avons regardée un million de fois. (Gardez à l'esprit que ce sont tous des films qui ont été créés en 2018 - certains n'ont peut-être pas encore eu leur sortie au Royaume-Uni, tandis que d'autres a fait ont leur sortie en salles cette année en vedette sur notre liste 2017 .)



vingt. KUSAMA - INFINITY (HEATHER LENZ)

La santé mentale n'a jamais été aussi largement discutée dans la culture qu'aujourd'hui. Renforcer cela est Kusama - Infini, le documentaire sur la vie de Yayoi Kusama. Le film courageux la met à nu lutte permanente contre la santé mentale et comment elle a toujours utilisé l'art pour soulager sa douleur.

J'adore ce film car il dissipe le romantisme de l'artiste torturé. Dans Infini , nous faisons un voyage avec Kusama au cours des 89 années où elle est aux prises avec des hallucinations. Le film montre le rôle que joue l'art dans la psyché humaine et le fait qu'il existe toujours un moyen de demander de l'aide. C’est électrisant, non seulement pour la manière dont il met en lumière les difficultés largement inconnues de Kusama, mais aussi pour la profondeur que cela vous emporte dans son monde en tant que femme étrangère d’artiste de couleur dans un domaine dominé par les hommes blancs. La réalisatrice Heather Lenz dépeint Les «années perdues» de Kusama, largement inconnues avec tendresse, permettant doucement à Kusama de reconnaître et de réfléchir sur ses tentatives de suicide et sa renaissance successive de ses cendres. Si détruire la stigmatisation entourant la santé mentale est la bataille de notre génération, alors Infini est l'un de nos plus grands guerriers culturels. ( Lexi Manatakis)

19. PANTHÈRE NOIRE (RYAN COOGLER)

De temps en temps, une œuvre arrive qui puise dans une ambiance sociale et devient un mouvement. Représentant une vision futuriste d'une Afrique fictive qui n'a jamais été colonisée, Panthère noire fait exactement cela en janvier, alors que Wakanda et son salut est devenu un symbole de solidarité pour la diaspora du monde entier.



Personne n’aurait pu prédire que Disney pourrait convoquer les enfants cool panafricains de Londres et les unir autour d’une représentation fictive de la patrie, mais c’est le cas. Lors de sa première à Londres, Panthère noire incité les Noirs à s'habiller avec des vêtements culturels; il y avait des Nigérians jaune (bandeaux), tissu kente ghanéen, et certains qui se sont maquillés pour ressembler à la royauté africaine à la Venant en Amérique . À une époque où l'on avait l'impression que les seules images des Noirs étaient celles de la douleur, de la protestation, de la pauvreté, en tant que méchants ou victimes, Panthère noire était une évasion apaisante. Un des moments forts a été le rire bruyant qui a éclaté chez les Noirs après la réplique de Letitia Wright, Ne me fais pas peur comme ça, colonisateur. Parce que, vous savez, l'impérialisme a foiré l'Afrique. Oui, Panthère noire était un film de super-héros Marvel. Mais l'importance de cela réside dans le fait de savoir qui peut se considérer comme héroïque, plutôt que d'être l'opprimé. ( Kemi Alemoru)

18. WIDOWS (STEVE MCQUEEN)

Un thriller de braquage élégant et sophistiqué pour les âges, de Steve McQueen Les veuves exalte le genre dans un nouveau territoire inspiré. Basé sur la mini-série du début des années 90 du même nom, le film forme son œil inébranlable sur quatre femmes qui ont perdu leur mari dans le même crime et qui doivent payer leurs dettes à un créancier redoutable. Veronica (Viola Davis) rassemble cette équipe de femmes en lambeaux pour se rassembler pour terminer un dernier braquage, découvert tracé à la perfection dans les journaux laissés par son mari décédé, Harry (Liam Neeson).

Ce qui suit est une aventure galvanisante dans le ventre de la criminalité en col blanc avec quatre amateurs alimentés chacun par leur situation individuelle, et chacun n'ayant rien à perdre. Le scénario de Gillian Flynn - son meilleur depuis Fille disparue - intègre fortement des thèmes socio-économiques dans le récit, donnant un poids à l'histoire qui apporte une pertinence supplémentaire, ainsi que le cadre révisé du côté sud de Chicago. C’est un véritable coureur de cœur, avec des rebondissements qui parviennent à choquer, ainsi qu’une pièce de cinéma séduisante et artistique. McQueen continue sa course en tant que l'un des plus grands cinéastes contemporains travaillant dans le cinéma aujourd'hui. (Patrik Sandberg)



limé les dents avant et après

17. MCQUEEN (IAN BONHÔTE, PETER ETTEDGUI)

Si, comme moi, vous n’aviez pas de siège à l’avant (ou à la deuxième ou à la troisième rangée) à l’un des sièges souvent viscéraux d’Alexander McQueen, parfois inconfortables, mais jamais, jamais des défilés ennuyeux, le plus que vous aurez probablement vu d'eux est probablement sur YouTube tel que regardé sur petit écran - pas comme ils devraient jamais être vus, bien sûr, mais les besoins doivent évidemment l'être. Cette année, cependant, Mcqueen changé tout cela. Le film sensible et magnifiquement réalisé de Peter Ettedgui et Ian Bonhôte nous a non seulement permis d’avoir un aperçu de la vie de l’un des plus grands (et des plus «vrais») créateurs de mode, mais il a également pris certaines de ses collections les plus vives et innovantes - y compris Le viol des Highlands , L'Atlantide de Dish , et Voss - et les a fait exploser à des proportions jamais vues auparavant, ce qui, combiné à des archives, des images candides et des récits personnels de ceux qui le connaissaient et l'aimait, se traduit par une expérience visuelle vraiment émotionnelle, parfois écrasante, qui met en évidence exactement pourquoi il est tellement manqué. Préparez les mouchoirs. ( Emma Davidson)

16. GUERRE FROIDE (PAWEŁ PAWLIKOWSKI)

Paweł Pawlikowski Guerre froide est à la fois une déclaration esthétique austère, un hommage familial aimant et une romance déchirante qui frappe avec un impact rare. Inspiré par l'expérience des parents du réalisateur, le film poursuit deux amants croisés à travers l'Europe d'après-guerre - Pologne rurale, Berlin-Est, Paris bohème, Yougoslavie - alors qu'ils s'effondrent et se remettent ensemble, luttant pour se créer une vie en tant que musiciens qui travaillent.

Le directeur de la photographie Lukas Zal crée une composition à couper le souffle des ruines architecturales polonaises aux clubs de jazz de Paris. Le cadre 4x3 noir et blanc confère une sensation stylisée de confinement à la fluidité évolutive d'une romance qui menace de dérailler à tout moment. Tomasz Kot apporte un sentiment de gravité forte et silencieuse au rôle de Wiktor, et Joanna Kulig donne une performance de star dans le rôle de Zula, qui élève les chansons folkloriques polonaises dans le domaine de la musique pop alors qu'elle commence sa carrière d'enregistrement et trouve sa libération dans le smoky clubs of Paris - une scène de sa danse sur «Rock Around The Clock» de Bill Haley est destinée à l'immortalité celluloïd. Dans une année remplie de cinéma passionnant, rien ne touche au glamour et à la romance de celui-ci. (Patrik Sandberg)

quinze. LIT DE FORTUNE (LEILAH WEINRAUB)

lit de fortune

Bienvenue à Shakedown. Un club de strip-tease lesbien noir au début des années 2000 à Los Angeles, la soirée club fait l'objet de Le hymne brumeux et thétique VHS de Leilah Weinraub à une sous-culture jamais discutée c'était une bouée de sauvetage vitale pour les femmes de couleur queer de la ville. Weinraub y a travaillé en tant que «video lady», des années avant sa carrière plus tard en tant que PDG et co-fondatrice de Hood by Air. Dans le documentaire, elle rassemble les images lo-fi qu'elle a tournées à l'époque et raconte les histoires des femmes qui y ont joué, des forces de la vie comme l'Égypte et Jazmine, et du fondateur de la nuit, Ronnie-Ron. Pendant tout ce temps, la police et d'autres forces de gentrification moins spécifiques planent: pendant que vous regardez, la bande-son inquiétante et la progression en forme de chapitre vous permettent de savoir que ce n'est pas un moment qui durera éternellement.

Lit de fortune m'a époustouflé au festival de la Berlinale de février, en particulier dans le contexte de certains autres films qui y sont projetés. En revanche, la façon dont les écrans de cinéma accueillent si souvent les mêmes sujets à plusieurs reprises vous a encore plus frappé. Le plus grand triomphe de Weinraub? Faire de la place pour ses superstars noires et étranges dans les galeries d'art contemporain et les théâtres du monde entier. (Claire Marie Healy)

14. essoufflement (LUCA GUADAGNINO)

essoufflement est la nouvelle robe bleu / or - personne en ligne ne peut être d'accord à ce sujet. Ce qui n'est vraiment pas une surprise. Apparemment, un remake du giallo de Dario Argento en 1977, celui de Luca Guadagnino essoufflement est, ironiquement, l’un des films d’horreur les plus originaux de l’année. C’est un plateau combo effrayant de danse sorcière, de politique de la guerre froide et d’intrigues psychosexuelles. Il n'y a aucune tentative pour plaire au grand public: la palette de couleurs muettes est délibérément épuisant, la bande-son de Thom Yorke est à l'opposé de Creep, et là où vous vous attendez à un jeu d'action, elle se faufile dans une leçon d'histoire.

route de la vieille ville 51

Néanmoins, vous regardez toujours le nouveau essoufflement à travers le prisme du film d'Argento, et finissent par quitter le cinéma frappé par comment il s'écarte du matériau source . Dans ce sens, essoufflement c'est comme le jazz pour deux raisons: il s'agit des notes Guadagnino ne fait pas jouer, et quiconque n'hésite pas à le rejeter est tout simplement faux. C'est un travail d'amour, où chaque détail de la production mérite d'être sur-analysé (même la police du titre a été conçue par le responsable de la Guerres des étoiles parchemin d'ouverture), et il mérite un statut de culte similaire à celui accordé à l'original d'Argento - et, d'ailleurs, à Appelez-moi par votre nom . (Nick Chen)

13 . MADELINE DE MADELINE (JOSEPHINE DECKER)

Helena Howard en tant que chat, ronronnant, léchant et sifflant, doit être l'expression la plus mémorable de l'angoisse adolescente - sans parler de l'ouverture de la scène - du cinéma 2018. À peine âgé de 18 ans au moment du tournage, le nouveau venu (et star de la couverture Dazed) Howard est le centre irrésistible du conte de la réalisatrice Josephine Decker sur Madeline, une adolescente prodige en difficulté. Il y a aussi la mère qui souffre depuis longtemps de Madeline, interprétée par Miranda July, et le directeur de théâtre expérimental dont les intentions pour Madeline semblent, au mieux, l'aider à résoudre ses problèmes sur scène de manière cathartique et, au pire, à exploiter la mauvaise santé mentale de l'adolescente pour son propre avantage (Molly Parker).

Madeline de Madeline a eu une naissance très étrange - un film sur le théâtre expérimental qui lui-même est né d'une série d'ateliers de théâtre exploratoire - et pendant longtemps il a manqué d'intrigue ou de scénario. Howard elle-même était la force motrice du projet - comme elle l'a révélé dans son article de couverture de l'automne 2018, cela allait initialement être une histoire de ma vie. Si tout cela semble trop complexe, ce n'est pas le cas: Decker a réussi à faire un film absurde sur des personnes prétentieuses, par des moyens peut-être prétentieux, et le résultat est l'expression la plus respectueuse, la plus galvanisante et la plus honnête des angoisses de la jeune génération à l'écran. que j'ai vu depuis très longtemps. (Claire Marie Healy)

12. MATANGI / MAYA / M.I.A. (STEPHEN LOVERIDGE)

Le documentaire de Steven Loveridge sur la star anglo-tamoule se divise parfaitement en deux moitiés. Dans le premier, un M.I.A. essaie de donner un sens à son identité culturelle hybride lors d'un voyage dans son pays natal du Sri Lanka, filmé par la musicienne à l'époque où elle était en tant que cinéaste en herbe. Dans le second, nous revisitons les flashpoints furieusement débattus - Truffle-gate! Madonna-porte! Nés libres! - qui a vu sa carrière s'enliser dans la controverse.

Ces deux moitiés posent des questions approfondies et opportunes sur la race, la classe et les privilèges dans une industrie qui fait actuellement beaucoup d'introspection sur tout ce qui précède, et si MATANGI / MAYA / M.I.A. manque parfois le punch viscéral de la musique ancienne de M.I.A., cela en vaut la peine pour un film qui traite honnêtement d'un chanteur dont les talents ont souvent été délibérément mal interprétés. En montrant les réalités humaines désordonnées au cœur de son travail, MATANGI / MAYA / M.I.A. est un enregistrement important et opportun de l'un des les plus grandes stars de la pop que ce pays a produites . (Alex Denney)

Onze. LE CARRÉ (RUBEN ӦSTLUND)

Ruben Östlund s'occupe exclusivement des atroces. 2014 Force Majeure est un drame déchirant et hilarant sur une famille nucléaire qui s'effondre à la suite de la réaction lâche d'un père à une avalanche, et son dernier film La place joue sur un terrain tout aussi banal mais fertile: le monde de l'art.

Avec Claes Bang en tant que conservateur obsédé par soi-même, absolument plein de merde, La place est un assassinat mordant de l'exclusivité, de la prétention et du cliché qui infecte les galeries d'art. Il présente - sans aucun doute - la scène de l'année, lorsque Terry Notary (instructeur de mouvement sur Planète des singes ) terrifie une foule aisée lors d'une ouverture d'exposition avec une œuvre d'art de performance qui vire trop loin dans la réalité pour que les invités puissent la prendre.

Il y a une délicieuse ironie dans le chef-d'œuvre d'Östlund remportant la Palme d'Or, et c'est un résultat qu'il espérait. La séquence avec Terry Notary a été réalisée dans le but d'avoir notre première à Cannes, il a dit à Dazed . Tout le monde à Cannes était habillé comme les gens à l'écran, se souvient Bang. On pouvait vraiment ressentir le malaise dans la pièce. (Thomas Gorton)

dix. LA MISÉDUCATION DE CAMERON POST (DESIREE AKHAVAN)

Basé sur le roman d'Emily Danforth du même nom, lauréate de Sundance de Desiree Akhavan La miseducation de Cameron Post est un portrait de passage à l'âge adulte réalisé par des experts c’est à la fois significatif, émouvant, drôle et tragique. Contrainte par sa tutrice à s'engager dans le camp de conversion, la promesse de Dieu - un endroit qu'elle ne peut plus quitter sans l'approbation des chefs spirituels du centre - Cameron (jouée par Chloë Grace Moretz) est inscrite dans un programme implacable de tâches subalternes, de prières, de bénédiction 'cours d'aérobic et soirées karaoké. Ce n'est pas trop différent d'un camp d'été américain typique - seul ce camp a des séances de thérapie de groupe obligatoires, des conseils spirituels individuels et des `` icebergs '' subconscients sur lesquels les résidents doivent noter tous les traumatismes qui ont conduit à leur `` même chose ''. perversion sexuelle ».

C’est un film indéniablement étrange, mais Miseducation a également un large attrait - dans le cadre de la thérapie de conversion gay, il s'agit vraiment de quelque chose ressenti universellement par les adolescents qui sont à l'aube de l'âge adulte. Quelque chose sur eux-mêmes ne va pas, quelque chose est cassé, quelque chose a besoin corriger ou alors s'améliorer en quelque sorte. Cette mission, raconter une histoire authentique sur l'adolescence, de manière réfléchie et avec cœur, est ce qui fait La miseducation de Cameron Post l'un des films queer les plus fascinants de l'année. (Thomas Adam Curry)

9. BRÛLANT (LEE CHANG-DONG)

Un drame existentiel, une comédie noire, un meurtre-mystère, un triangle amoureux condamné, un art et essai Fille disparue . Ce ne sont là que quelques façons de décrire Lee Chang-dong Thriller magistral et captivant, Brûlant . Le film est difficile à cerner, tout comme son intrigue minimale - pour les longues sections, vous êtes agrippé , même s’il est difficile de dire si quelque chose se passe. L’universalité de l’histoire ajoute du carburant au feu: des jeunes furieux contre un monde injuste, un chômage en hausse, des bas salaires et l’absence de solution évidente et tangible.

Au centre se trouve Yong-su, un romancier frustré et sans emploi qui se plaint: Il y a trop de Gatsby en Corée. Donc même si Brûlant est officiellement une adaptation de Haruki Murakami, c’est autant un riff sur F. Scott Fitzgerald. Si Yong-su est Nick, alors son Gatsby est Ben ( Steven Yeun ), un millionnaire bâillant et possible pyromane; et Haemi est Daisy, une engima presque sans amis dont la voix est pleine de dépression. Mais la séquence de danse centrale est une pure invention de la part de Lee Chang-dong: Haemi fume de l'herbe, perd toutes les inhibitions sociales et se déshabille à l'extérieur, sa silhouette se balançant pendant l'heure magique. Vous enviez sa liberté - jusqu'à ce qu'elle s'arrête et fond en larmes. (Nick Chen)

8. À TOUS LES GARÇONS QUE J'AI AIMÉ AVANT (SUSAN JOHNSON)

Cette année, je l'ai dit assez clairement Je suis amoureux de ce film . De même que Asiatiques riches et fous - le premier film hollywoodien entièrement asiatique en 25 ans - Adaptation par Netflix du roman pour jeunes adultes le plus vendu de Jenny Han À tous les garçons que j'ai aimés avant était le baume apaisant de 2018 aux maux de tête de 2017 controverses sur le blanchiment de la chaux . Et, alors que j'ai vraiment apprécié Asiatiques riches et fous dans toute sa gloire milliardaire-petit-ami-fantaisie-mode à succès, le pouvoir de voir une actrice américano-asiatique Lana Condor comme Lara Jean Song Covey, naviguant dans les hauts et les bas de la romance au lycée, résonnait à un autre niveau (plus relatable).

Frappant tous les rythmes familiers d'une rom-com adolescente, À tous les garçons ... m'a finalement donné - et à toutes les autres filles asiatiques à trait d'union - la satisfaction de ne plus nous voir comme la caractère côté stéréotype raciste , mais comme Molly Ringwald d'un film de John Hughes. Enfin, nous sommes dignes du même genre d'évanouissement, d'amour des adolescents qui se joue dans les baisers sur le terrain de football avec des garçons populaires, des singeries de voyage scolaire sans chaperon, des notes secrètes passées en classe et des mains dans les poches arrière que les filles blanches américaines ont appréciées. dans les films depuis des décennies. À tous les garçons ... est la comédie romantique pour adolescents que j'ai passé mon adolescence à souhaiter, et c'est mieux que jamais.

Au moins en 2018, le film a les avantages supplémentaires d'un grand, Bande-son incluant Blood Orange , et les réactions sur les réseaux sociaux qui prouvent que tous les dirigeants d'Hollywood (y compris ceux de l'auteure Jenny Han ont dû se battre pour garder l'héritage asiatique-américain de Lara Jean) devraient mettre de côté tous les scrupules qu'ils ont jamais eu à présenter un asiatique comme une piste romantique. Sur Twitter mèmes à Costumes d'Halloween , l'amour pour À tous les garçons ... (et plus de comédies romantiques représentatives en général) est clair. De leur côté, les pouvoirs en place semblent être à l'écoute pour une fois, avec une suite confirmé être dans les travaux. Jusque-là, vous feriez mieux de croire que je rejouerai ce film chaque fois que j'ai besoin d'un jour de lune viens me chercher. (Vanessa Hsieh)

7. BLACKKKLANSMAN (SPIKE LEE)

Sans rien savoir d'autre de l'intrigue, quand la bande-annonce pour BlacKkKlansman chuté et a montré qu'un homme noir infiltre le KKK avec l'aide d'un allié juif, j'ai été vendu. Surtout une fois qu'il a été révélé qu'il était (vaguement) basé sur une véritable opération de police qui s'est déroulée à Colorado Springs dans les années 70.

Avec un script de Sortez Jordan Peele et Spike Lee à la barre en tant que réalisateur, BlacKkKlansman est un film aussi politique qu'hystérique. Il y avait des réserves compréhensibles sur son intrigue - dans ce climat politique actuel, le film pourrait-il se permettre de décerner le récit du héros à quelques flics et à un service de police principalement blanc? N'aurait-il pas dû creuser plus profondément dans les relations inconfortablement étroites que les services de police entretenaient avec les nationalistes blancs? Pourtant, il s'intègre parfaitement dans la classe des films de 2018 qui sont une prise irrévérencieuse des problèmes sociaux d'aujourd'hui. Cependant, à sa fin déchirante, il ne fait guère de doute que ce film vise à s'attaquer sérieusement à la menace de la suprématie blanche. (Kemi Alemoru)

6. HUITIÈME ANNÉE (BO BURNHAM)

Même quelqu'un dont la durée d'attention a été pourrie par les médias sociaux trouvera Huitième année captivant du début à la fin . Le film empathique sur le passage à l'âge adulte commence avec Kayla, une vlogeuse de 13 ans, qui donne des conseils de vie à ses abonnés YouTube. Elle suggère que tout ira bien si vous êtes simplement vous-même, puis se déconnecte avec son slogan: Gucci! Mais IRL, Kayla n'a pas d'amis, pas de téléspectateurs et - le plus bouleversant de tous - pas de confiance en soi. Dans un genre peuplé d'adolescents de sitcom-y et de sensuels, voici un film qui suscite, entre autres, les angoisses quotidiennes de l'adolescence.

pleure moi une vidéo de musique de rivière

Cela ne veut pas dire Huitième année ce n’est pas drôle. C'est le cas, et souvent. Il est écrit et réalisé par Bo Burnham , un comédien qui, contrairement à Kayla, est devenu une sensation virale à 16 ans. Son avenir, cependant, est clairement dans le cinéma. Il n'y a pas d'intrigue en soi, mais chaque interaction sociale ressemble à un scénario de vie ou de mort. Je ne plaisante pas: la scène où Kayla assiste à une fête populaire pour enfants à la piscine est plus mordante que le point culminant de Héréditaire . Vous allez grincer des dents extrêmement dur aux moments relatables, puis découvrirez la catharsis en voyant cela arriver à quelqu'un d'autre. Gucci! (Nick Chen)

5. LA HAINE QUE VOUS DONNEZ (GEORGE TILLMAN JR.)

Il y a eu un thème récurrent dans le cinéma cette année de la puissance contenue dans les voix. Désolé de vous déranger et BlackKklansman tous deux ont exploré le phénomène de la voix blanche. Mais ce qui rend La haine que tu donnes se démarquer des autres c'est qu'il ne s'agit pas d'assimiler, d'imiter ou d'interpoler une voix pour arriver là où vous en avez besoin - il s'agit d'apprendre à trouver la vôtre. Il suit une fille appelée Starr, qui regarde son amie se faire brutalement assassiner par la police. Elle est représentée par Amandla Stenberg, qui fait un excellent travail de communication de la tension entre ses deux existences disparates en essayant de se rendre acceptable à la fois pour son école très blanche et son quartier à majorité noire. VOYOU dévoile la justice raciale dans le contexte du choix difficile d'un adolescent: essayer de s'intégrer ou de se relever. À une époque où les téléspectateurs ont besoin d'apprendre à naviguer dans la menace très réelle de la suprématie blanche, voir ce type de récit sur grand écran est vital. (Kemi Alemoru)

Quatre. ÎLE DES CHIENS (WES ANDERSON)

Si vous avez déjà possédé un animal de compagnie atteint de puces, un DVD Blu-Ray de Rushmore , ou un désir de voir Jeff Goldblum voix un rauque bavard, alors Ile aux chiens allait toujours être pour toi. Mais l ’aventure animée au Japon est particulièrement complexe et ésotérique - même pour les normes élevées de Wes Anderson. Un régal (pour chien) pour les yeux et les oreilles, la comédie impassible d'Anderson est, si quelque chose, écrasant: chaque cadre élégant est jonché de blagues, les marionnettes à fourrure sont construites avec amour et les visuels en stop-motion sont parfaitement intégrés à la main. illustrations dessinées. Fantastique Mr Fox semble paresseux en comparaison.

De plus, le film possède l’un des moulages les plus éclectiques et étoilés de la mémoire récente. Avec Goldblum, il y a Bill Murray, Greta Gerwig, ScarJo, Yoko Ono et Tilda Swinton. (Et Anjelica Huston en tant que caniche muet, pas qu'elle aboie beaucoup.) Dans l'ensemble, vous pourriez écrire un essai sur n'importe quel moment de ce film choisi au hasard. Mais soulignons la scène culinaire de l'année: un chef préparant des sushis au wasabi toxique pour assassiner un professeur. La séquence est salivante, hypnotique et vous laisse prêt à mourir pour un plat de poisson fictif qui est probablement fait de plastique. (Nick Chen)

poils sur la poitrine ou pas de poils sur la poitrine

3. COMTÉ DE HALE CE MATIN, CE SOIR (RAMELL ROSS)

Quelle est l'orbite de nos rêves? C'est une question qui se pose d'elle-même à l'écran pendant les premières minutes de Comté de Hale ce matin, ce soir , réalisateur RaMell Ross Portrait tendre d’un comté de l’Alabama. C’est une question qui continue de vibrer dans votre esprit au fur et à mesure que les scènes se déroulent - de longues vignettes douces qui illustrent le potentiel qui peut être trouvé dans certaines limites. Un enfant en bas âge fait des allers-retours dans son salon avec la concentration et la détermination de quelqu'un qui sprinte un marathon. Un basketteur tire sans relâche des cerceaux seul. Un homme brûle des pneus dans les bois, et Ross tourne son appareil photo vers la fumée ondulante, qui est coupée par des tranches de soleil.

Ross a déménagé dans le comté de Hale en 2009 pour enseigner le basket-ball et la photographie, et a commencé à filmer la communauté noire là-bas - en particulier, deux jeunes hommes nommés Daniel et Quincy - peu de temps après. Son traitement de tout le monde dans le film est naturaliste et chaleureux, ses gros plans attirant les yeux du spectateur vers des détails magnétiques (un filet de salive roule sur le ventre d'un bébé; une mère coiffe lentement et soigneusement les cheveux de sa fille). Nous sommes conditionnés loin de l'existence instinctive, Ross a déclaré dans une récente interview . Il y a un manque de beauté intérieure dans la culture noire ou le cinéma noir parce que la plupart des gens regardaient de l'extérieur. Les gens me disent: «Oh, le film est si beau! Pourriez-vous me donner des conseils sur, par exemple, comment puis-je parler aux gens pour tirer avec cet œil? »Et je me suis dit, pour être honnête avec vous, c'est comme ça que je vois le comté de Hale et mes amis. Si j'avais un conseil à vous donner, ce serait simplement de donner aux gens de ces communautés des caméras, puis de leur dire les attributs des façons traditionnelles de regarder, et ils feraient la même chose. Ce n’est pas du tout sorcier.

À une époque de récits réducteurs et urgents, nous parlons beaucoup de la relation de notre culture avec la nuance. Comment raconter des histoires d'une manière qui montre vraiment et valorise la plénitude d'une personne? Comté de Hale est une réponse et un antidote; dans son mouvement lent et délicat, sa façon naturelle de voir et la façon dont il colore ses sujets en dehors des lignes, c'est le film le plus humain de 2018. (Aimee Cliff)

deux. DÉSOLÉ DE VOUS DÉRANGER (BOTTES RILEY)

En 2012, The Coup a sorti son cinquième album, Désolé de vous déranger . Le leader du groupe de hip-hop, Bottes Riley , destiné à ce que le disque suscite l'intérêt pour son scénario alors non produit. Alors peu importe la sortie retardée au Royaume-Uni - voici un film avec lequel Riley bricolait depuis un bon moment. À la réflexion, c’est du temps bien dépensé. Non seulement Riley se penche-t-il sur des thèmes importants tels que le changement de code, la responsabilité des artistes et la écueils du capitalisme , mais il intègre ces déclencheurs de conversation dans un film pop-corn extrêmement imaginatif. Les visuels ludiques évoquent Michel Gondry, l’univers est suffisamment réalisé pour inclure ses propres chaînes de télévision fictives, et tout est étonnamment instructif sur les tenants et les aboutissants de la syndicalisation.

En outre, Désolé de vous déranger évite la catégorisation facile. Le crochet médiatisé - Lakeith Stanfield met en œuvre une voix blanche pour faire avancer sa carrière - raye à peine la surface. Du point de vue du genre, c'est un amalgame subversif de comédie de science-fiction, de politique en milieu de travail, d'horreur corporelle et de satire sociale. Mais par-dessus tout, c’est tout simplement divertissant, et je peux me voir le revoir pendant des années. De plus, Armie Hammer, en tant que méchant PDG de Worry Free, mérite un Oscar pour sa cocaïne reniflant seule. (Nick Chen)

1. HÉRÉDITAIRE (ARI ASTER)

(Ari Aster) m'a dit un jour: «J'ai toute cette maladie à l'intérieur de moi, et je veux la mettre dans tout le monde», dit Héréditaire star Alex Wolff dans un clip YouTube , montrant son ventre. Malgré cela, les débuts de réalisateur d’Aster n’ont jamais été destinés à être considérés comme une horreur - du moins au sens classique du terme. Il a grandi sur des films comme Ang Lee La tempête de verglas et Le cuisinier, le voleur, sa femme et son amant , des histoires de trahisons familiales et de luttes de pouvoir au milieu d'un ouragan de traumatisme.

La maladie au creux de l’estomac du réalisateur se purifiait depuis un moment. Le court métrage de l’auteur new-yorkais en 2011 L'étrange chose à propos des Johnsons suit une relation père-fils incestueuse dans le meurtre. Dans Munchausen , deux ans plus tard, Aster a zoomé sur le trouble du même nom, où les parents simulent des maladies chez leurs enfants pour attirer l'attention.

Réalisme magique pour la génération Lars von Trier, Héréditaire est un conte anti-fée caverneux sur une famille américaine condamnée des siècles avant sa naissance. Il transforme un jeu domestique en une méditation sur la cause et l'effet; une méditation sur la cause et l'effet dans un drame sur le chagrin; et un drame sur le chagrin en un bain de sang orchestré par le diable.

Son axe du mal est Wolff, un adolescent hanté qui déclenche à tort un crescendo d'horreurs créatives dont Jérôme Bosch serait fier. Avec la partition de jazz purgatoriale de Colin Stetson, le tour-de-gore de Toni Collette dans le rôle de sa mère non amarrée, et le montage d'une netteté remarquable, Héréditaire est le mal jusqu'aux os. C’est ce rare chef-d’œuvre d’un film d’horreur qui vous laisse beaucoup plus terrifié par vos propres démons que par ceux que l’on peut imaginer. (Jack Mills)