Parler aux stars de Ghost In The Shell

La quête de produire Fantôme dans la coquille en tant que franchise de films d'action réelle, initiée par Steven Spielberg et le producteur Avi Arad en 2008, était ardue, pleine de pressions et de défis croissants. Le fait que le film ait atterri entre les mains de Rupert Sanders, techniquement compétent, s'est avéré finalement fortuit pour plusieurs raisons. Hyper conscient des défis liés à l'adaptation d'une histoire avec une base de fans aussi dévouée, Sanders a déployé des efforts minutieux non seulement pour être à la hauteur des attentes fixées par le matériel source, mais pour les dépasser et ajouter une nouvelle dimensionnalité au sens propre et figuré.

Travaillant avec le directeur de la photographie en plein essor Jess Hall, le décorateur vétéran Jan Roelfs ( Gattaca ), et le maestro des effets spéciaux, quintuple lauréat d'un Oscar Richard Taylor de WETA Workshop, Sanders a composé un monde granuleux et tactile de décors réels et d'éléments d'animation numérique qui constituent un paysage cinématographique luxuriant et immersif de la trahison du monde futur. En jetant un casting internationalement diversifié d'acteurs les plus connus pour les séries télévisées, les films d'art et d'autres genres, Sanders a pu créer sa propre vision kaléidoscopique d'un monde à la fois saturé technologiquement et incroyablement coloré et réel. Ici, Sanders, Taylor, le directeur artistique conceptuel Ben Hawker et les principaux acteurs discutent de la façon dont ils ont donné vie à la série manga séminal.



ponceuses Rupert

RUPERT SANDERS: DIRECTEUR

Les thèmes du film sont de plus en plus pertinents au fur et à mesure que nous nous appuyons sur la technologie. Est-ce que cela a alimenté votre intérêt à raconter cette histoire?

Rupert Sanders: J'ai vu l'anime quand j'étais à l'école d'art, puis je suis arrivé au manga à travers l'anime. Mais ça m'a vraiment époustouflé. C'était une pièce de cinéma tout à fait unique. Je pense que Shirow est le Nostradamus de la technologie. Il prédisait Internet, des réseaux de données interconnectés, bien avant qu'il ne soit réalisé. Je pense que certains de ces thèmes et idées sont devenus plus pertinents, et nous comptons tellement sur nos téléphones et c'était une chose intéressante à comprendre pour moi. Pour penser que tant de nos vies, nous donnons à cette petite dalle noire, rectangulaire, vitreuse et séduisante. Il en sait tellement sur vous. Qui d'autre en sait autant sur vous? Une fois que vous avez mis tout cela dans un implant cérébral, il ne s'agit pas seulement de savoir où vous êtes, ce que vous achetez, où vous allez, avec qui vous faites quoi quand vous le faites, mais aussi il est capable de lire les pensées, les rêves, les idées des gens, et toutes ces choses qui sont vraiment nous. Et puis, si cela peut être piraté, c'est un concept effrayant.

Le look du film est si spécifique et unique. Ce n’est pas le genre de cliché que vous obtenez avec beaucoup de films dystopiques qui se déroulent dans le futur. Qu'est-ce qui a inspiré le look du film?



Rupert Sanders: Je pense juste que, vraiment. Je ne voulais pas être dystopique. Je voulais quelque chose de coloré et de réel. Nous avons construit une grande partie du monde pour de vrai. Nous avons construit des miniatures des bâtiments. Nous avons fait tous les hologrammes solides qui habitent la ville comme de véritables éléments photographiques. Nous avons construit des centaines de décors. Nous avons travaillé dans les rues de Hong Kong pour obtenir la texture et la patine. Nous avons construit des têtes de geisha mécaniques, nous avons construit le squelette de Major en 400 pièces uniques imprimées en 3D. Je voulais toucher le monde et être immergé dans un monde que je pouvais ressentir et toucher. Je sens que les performances sont plus réelles, l’action est plus réelle et c’est plus dramatique si vous croyez que vous êtes là.

Y a-t-il déjà eu un moment où vous avez senti que quelque chose que vous tentiez était trop ambitieux pour fonctionner? Si tel est le cas, comment avez-vous dépassé cela?

fille qui a manqué de respect à maman sur le dr phil

Rupert Sanders: J'étais terrifié à l'idée d'entrer. Vous faites toute cette préparation, et vous avez en quelque sorte cartographié les deux premières semaines de production - puis nous avons eu ce mur avec des couches de storyboard et de concept et tout - jusqu'à, comme, la semaine quatre, et puis il a juste touché le fond parce qu'il exige beaucoup de main-d'œuvre. La séquence d'ouverture de l'hôtel, nous avons tourné tôt. Mais il y a tellement de couches de cela, ces concepts et ces idées. Tout le monde a une sorte d'augmentation, une sorte de maquillage étrange ou une sorte de garde-robe folle, dans un environnement de tir en direct, c'était beaucoup à faire. J'avais peur que nous allions dans l'inconnu, mais je suppose que cela vous tient en quelque sorte sur vos orteils et maintient votre imagination. Nous avions un budget assez restrictif. C’est un grand film à rapporter avec le type de budget que nous avions, alors nous prenions des décisions très financières et cela pousse aussi l’imagination. Vous ne pouvez pas faire tout ce que vous voulez où vous voulez. Il faut réutiliser un ensemble, le retourner, réutiliser un accessoire, le mettre de l'autre côté. Il y avait beaucoup d'imagination et de passion créative dans le film.



Scarlett3

SCARLETT JOHANSSON: MAJEUR

Vous êtes-vous toujours imaginé comme cette énorme star de l'action?

Scarlett Johnasson: Um non! Je ne l'ai certainement pas fait. Si je pense à moi il y a dix ans, je n'aurais jamais imaginé que je jouerais autant de personnages illimités. Mais d’une certaine manière, le fait que les personnages que j’ai joués n’aient pas de frontières, m’a vraiment permis d’avoir beaucoup d’expansion, de vraiment explorer toutes ces possibilités émotionnelles. Ce fut un voyage intéressant.

The Major n'est pas le premier personnage que vous avez joué à jouer avec des états d'esprit non conventionnels, comme nous l'avons vu dans Sous la peau et Lucy . Quels ont été certains des défis spécifiques que vous avez rencontrés avec le major?

Scarlett Johansson: Eh bien, il y avait un défi unique dans ce film. Tout d'abord, l'animation originale est si belle et le personnage est introspectif mais aussi un peu froid. Essayer de trouver un angle dans ce personnage et de l'humaniser d'une certaine manière, tout en respectant le fait qu'elle est un cerveau humain à l'intérieur d'un corps entièrement machiné - c'était vraiment un défi en soi: essayer de trouver l'équilibre là où vous êtes jouer quelqu'un qui n'est pas capable de s'exprimer avec toutes ces tendances idiosyncratiques qui nous rendent humains, mais elle a cette vie intérieure profondément complexe. C'était donc parfois très frustrant.

Tourner les scènes avec Kaori Momoi, qui joue ma mère dans ce film, était génial. Elle était si émouvante et juste une belle actrice - Scarlett Johansson

Y a-t-il une scène du film qui vous semble être une expérience préférée?

Scarlett Johnasson: Une expérience préférée! C'était un film tellement difficile à faire. C'était vraiment, vraiment, vraiment difficile. Mais tourner les scènes avec Kaori Momoi, qui joue ma mère dans ce film, était génial. Elle était si émouvante et juste une belle actrice. Cela m'a rappelé ces acteurs de films japonais, comme (1953) Histoire de Tokyo . Juste ces performances vraiment profondément émouvantes. Quand elle est en deuil, elle hurle, elle était tout simplement incroyable. C'était une bouffée d'air frais, surtout parce que je passais tellement de temps à travailler seul. C'était tellement émouvant et déchirant d'être avec elle dans ces moments, mais vous avez besoin de cette profondeur émotionnelle dans ce genre explosif parce que c'est ce qui oblige le public à partir en voyage.

BABOU

PILOU ASBÆK ET CHIN HAN: BATOU ET TOGUSA

Comment était-ce lorsque vous avez découvert que vous aviez été choisi dans le film?

Pilou Asbæk: J'étais personnellement très excité à ce sujet. J'étais au courant de l'anime et je l'ai vu pour la première fois quand j'étais adolescent, à la fin de mon adolescence au début du millénaire. Je l'ai aimé. Je n’étais pas un de ces fans inconditionnels. Mais j'ai bien aimé! C'était un dessin animé mais il se prenait au sérieux et avait une forte influence féminine.

Chin Han: J'étais tout aussi excité, car je suis un fan de manga anime et ce depuis que je suis adolescent. De toute évidence, cette excitation cède bientôt la place à la terreur parce que vous vous rendez compte qu'il y a une énorme base de fans qui sont si passionnés par cela et qui ont leurs propres idées sur ce que cela devrait être, en plus du fait que nous avons maintenant une telle pièce fondamentale de travaille comme Shirow Fantôme dans la coquille à la hauteur. Vous voulez respecter cela et vous voulez l'honorer, alors vous savez, au moment où je suis arrivé en Nouvelle-Zélande, je devais simplement céder au processus et Rupert et les producteurs ont tous facilité la tâche.

Vous incarnez tous les deux des personnages qui humanisent le film de différentes manières. Comment avez-vous pu mettre votre empreinte sur chacun d'eux pour faire avancer cette humanité?

Pilou Asbæk: Pour moi, il était très important de rendre hommage au travail incroyable de Shirow et Oshii. Donc, je voulais créer un Batou qui honorait les visuels du manga de Shirow mais le cœur et l’âme de l’anime d’Oshii. C'est donc devenu ces deux-là - je me tenais sur leurs épaules, même si j'ai aussi créé mon propre Batou. C'était très très important pour moi qu'il soit aussi proche que possible de l'humain. Il est mis en valeur, avec les yeux et son bras, j'ai donc eu beaucoup de discussions avec les producteurs et Rupert Sanders sur [le personnage de ce] chien, car je sentais que le chien était la clé du personnage.

Chin Han: Comment montrez-vous un homme qui est une personne analogique dans un monde numérique? C'est en fait dans la conception des personnages. C'était donc très important. Même le mulet, qui est quelque chose des années 80 qu'il porte, et les costumes qu'il porte, et la cravate fine, et cette étonnante montre à calculatrice numérique Casio que nous lui avons choisie. Toutes ces choses étaient très importantes pour la construction du personnage.

Il était très important d’honorer le travail incroyable de Shirow et Oshii. Donc, je voulais créer un Batou qui honorait les visuels du manga de Shirow mais le cœur et l’âme de l’anime d’Oshii - Pilou Asbæk

laith de la cruz avant la chirurgie

JULIETTE BINOCHE: DR. OUELET

C'est un type de film tellement différent de celui dans lequel nous avons l'habitude de vous voir. Qu'est-ce qui vous a attiré dans le rôle?

Juliette Binoche: L'inconnu. Entrer dans un monde auquel je n'avais rien compris auparavant. Le vocabulaire avec lequel je n'étais pas familier, et cela aide aussi vraiment quand un réalisateur vous veut vraiment. Rupert Sanders, notre directeur, me voyait dedans. Je ne me voyais pas dedans. Mais après lui avoir parlé, je me suis dit, d'accord, je peux essayer ça, même si je ne comprends rien. Et il a travaillé sur le rôle, il a travaillé sur la relation avec Major. Le Dr Ouelet a été une création dans ce film parce que dans l’anime et les bandes dessinées, il est un homme et non une femme. Donc, créer un personnage plus émotionnel l'a rendu plus intéressant pour moi, bien sûr. Jouer un scientifique avec une sorte de distance - c'est quelque chose que vous attendez, bien sûr, avec ce personnage. Mais faire en sorte qu'elle soit impliquée émotionnellement, et à la fin quand elle se sacrifie, il faut y croire. Construire cette possibilité était très intéressant et difficile d'une certaine manière, car il faut jouer tellement de couches à l'intérieur.

version masculine d'une sorcière

Comment était-ce d'entrer dans ce monde créé par Rupert?

Juliette Binoche: Eh bien, nous avons beaucoup parlé du rôle et de la relation. Parler, c'est aider. J'étais comme un enfant sur le plateau, voyant tous ces techniciens et essayant de comprendre ce qu'ils allaient faire après en post-production. Je devais l’imaginer parce que je ne suis pas très ... Je ne vois pas beaucoup de science-fiction en général dans ma vie. Alors, je découvrais un monde tel que je le construisais.

Le personnage du Dr Ouelet est à la fois sympathique mais aussi complice. Comment était-ce d'habiter cette tension?

Juliette Binoche: Eh bien, je pense que pour commencer, elle est assez sombre. Vous pensez, comment peut-elle être liée à cette autorité de l'armée et utiliser la science de l'âme pour combattre la terreur? Je pense que leur comportement ressemble beaucoup à un terroriste. Ce monde militaire est en fait LA terreur! Lorsque vous travaillez avec confiance, cela donne un espace. Mais lorsque vous vous manifestez réellement par la force et la destruction, cela crée encore plus de terreur. Donc je pense qu'elle était assez sombre, mais l'histoire avance et elle découvre que Major est en train de devenir encore plus son fantôme. Elle a besoin de vérité, a besoin de connaître son origine, a besoin de liberté et a besoin de conscience. Ensuite, mon personnage devient plus conscient de qui est Major et c'est pourquoi à la fin, elle est capable de se sacrifier, de donner à ce fantôme sa bonne pièce, sa bonne place.

MICHAEL PITT

MICHAEL PITT: KUZE

Étiez-vous fan des livres originaux?

Michael Pitt: Oui. Je ne veux pas dire que j'étais un vrai nerd, car il y a des gens qui sont beaucoup plus fans que moi, mais j'ai été excité quand j'étais adolescent par de vrais fans de Fantôme dans la coquille. Au fil des années, j'ai remarqué que cela se produirait. C'était un truc très underground aux États-Unis, et j'ai vu l'influence que ça avait sur, très souvent, les jeunes étudiants en art, qui étaient vraiment en Fantôme dans la coquille à cause de l'anime. Mais aussi, les gens, les biologistes et les scientifiques Fantôme dans la coquille en raison, à mon avis, à quel point il était scientifiquement avancé pour l'époque.

Kuze représente en quelque sorte le cœur sombre du film. Comment avez-vous conçu psychologiquement le personnage lorsque vous y êtes entré?

Michael Pitt: C'était un personnage vraiment difficile à travailler. C'était un excellent exercice en tant qu'acteur. Je me souviens que pendant que je travaillais dessus, j'étais comme, c'est pourquoi vous avez vu tous ces grands acteurs shakespeariens travailler sur ces films de science-fiction, car en fait, en fait, c'est vraiment difficile. Il n’ya pas de manuel. Vous devez vraiment créer un personnage de A à Z. Avec Kuze, je me suis vite rendu compte qu'il incarnait plusieurs personnages dans Fantôme dans la coquille . Une des choses que je suis immédiatement allée rechercher était l'évolution, où nous étions dans la technologie, avec certains, je suppose que vous appelleriez cela des philosophies asiatiques. Parce que Fantôme dans la coquille est essentiellement l'âme dans le corps. Âme dans le vaisseau, en gros.

Comme beaucoup de méchants, il est un peu incompris. Il commence par cette présence malveillante et il se révèle lentement. Qu'est-ce qui vous attire vers des personnages sombres comme Kuze?

Michael Pitt: Au départ, ce qui m'a attiré vers des personnages sombres, c'est que j'étais jeune. Je pense que mon premier travail professionnel était à 19 ans. Donc, les seuls personnages qui étaient vraiment difficiles étaient des personnages plus sombres. Tout le reste ressemblait trop à de la merde d'adolescents. C’était moins que j’étais attiré par les personnages sombres et plus que je n’étais pas attiré par cela. Tu sais ce que je veux dire?

GITS-02

RICHARD TAYLOR ET BEN HAWKER OF WETA WORKSHOP: SUPERVISEUR CRÉATIF ET DIRECTEUR ART CONCEPTUEL

Comment Fantôme dans la coquille venir à vous en tant que projet?

Richard Taylor: Celui-ci était, de manière significative, un film majeur pour nous. Nous nous sommes probablement engagés dans le projet il y a 4 ans et demi. Aujourd'hui, nous travaillerons assez souvent sur des spécifications et les enverrons dans le monde, en espérant que nous pourrions nous connecter à un projet et qu'il en était de même avec celui-ci. Nous avons entendu dire que Steven Spielberg avait la possibilité de Fantôme dans la coquille nous avons donc envoyé un tas d'œuvres d'art. Nous n’avons rien entendu depuis quelques années. Et puis nous étions au début du développement avec Rupert travaillant sur un autre de ses projets, et nous étions à Los Angeles pour un voyage particulier et il a suggéré que nous passions chez Steven et pendant que nous étions là-bas, nous avons pu rencontrer Ari Arad. Il nous a dit qu'il allait produire Fantôme dans la coquille , ce qui était ... fantastique! Dans l’atelier, nous avons des gens qui sont aussi fanatiques de ce film, de cette propriété intellectuelle, que certains membres de notre personnel s’occupent de choses comme Le Seigneur des Anneaux, c'est donc une opportunité très spéciale. Tammy, ma femme et moi dirigeons notre entreprise depuis 27 ans maintenant. Nous sommes une entreprise inhabituelle dans la mesure où nous nous occupons d'un large éventail de disciplines différentes. Nous faisons de la conception, des armures, des armes, des créatures, des miniatures, des prothèses, des accessoires, des costumes et des véhicules. Ce fut une excellente opportunité d'apporter plusieurs de ces compétences à un projet comme celui-ci pour Rupert et son équipe de production.

Qu'est-ce qui s'est passé dans les décisions de créer des effets pratiques par rapport aux effets numériques?

Richard Taylor: C’est une chose inhabituelle dans le climat cinématographique d’aujourd’hui dans lequel nous vivons, pour un réalisateur de se présenter et de dire que je veux essayer de faire le plus possible avant de nous fier au travail numérique. De toute évidence, c’est un choix personnel de Rupert, qui vient d’un milieu cinématographique pratique. Mais, il y a un argument selon lequel la métaphore même de ce monde, que signifie être humain? Êtes-vous toujours humain si votre corps est remplacé mais votre esprit, l'âme, le fantôme et la conscience de la créature, si tout devait être produit numériquement afin que les acteurs ne filment que sur écran vert, en face uniquement de balles de tennis sur bâtons . Je pense que Rupert savait dès le départ que, comment une actrice comme Scarlett Johansson pouvait-elle espérer évoquer ces métaphores et créer un film, avec la profondeur subtile de ce film, ne devrait-elle pas jouer contre de vrais personnages dans un environnement réel? Comment pourrait-elle parler du fait qu’elle est cette jeune fille fragile au corps de femme qui essaie de trouver son existence dans le monde si elle agit dans un environnement complètement artificiel? Donc, en créant ce monde viscéral, granuleux et textural dans lequel les acteurs sont entrés, je pense que la qualité de ces riches messages subtils dans le film a été rendue d'autant plus plausible à cause de cela.

Ben Hawker: Surtout lorsque la propriété consiste à vivre dans un univers numérique. Vous vivez dans une construction qui est un réseau, qui est mentionnée à plusieurs reprises. Et Rupert a compris, je pense depuis le début, que les effets visuels peuvent évidemment dater de manière assez significative, en particulier les effets spéciaux numériques. Confines du cinéma moderne, vous devez faire ce genre de choses, juste pour que votre film soit fait à temps et prêt pour le cinéma. Mais il voulait être sûr de pouvoir faire quelque chose d'aussi fidèle à la propriété d'origine, de Masamune Shirow, qui allait rendre les fans heureux et attirer beaucoup de nouveaux fans. Et pour ce faire, il a dû réfléchir, comment vais-je faire de ce graphique, iconique, et non daté? Et il a essayé de son mieux pour tenter des effets pratiques chaque fois que possible. De vrais véhicules lorsque cela est possible. De vraies personnes chaque fois que possible. Maquillage prothétique quand vous le pouvez. Quand on regarde les films des années 80, il y a beaucoup d’effets pratiques parce qu’ils n’avaient rien d’autre, mais ils n’ont pas tendance à sortir. Il a mentionné Kubrick's 2001 , la façon dont ces films sont construits, leurs palettes d'éclairage, tout cela reste constant. C’est la raison pour laquelle il est référencé aujourd’hui.

Richard Taylor: Une des choses qu'il voulait n'était pas une équipe de conception, mais des gens qui rifferaient intelligemment avec lui sur la façon de créer ce monde. Tous les films qui proviennent d'un matériau source vont amener un groupe de fans principal, mais vous pourriez affirmer qu'il n'y aurait presque aucune autre propriété sur la planète qui attirerait un groupe de fans plus fervent que Fantôme dans la coquille. C'est donc un fan movie. C'est de la science-fiction réelle, de niche et dure. Ce n'est pas un réalisateur qui s'adresse à un public mondial. Par exemple, lorsque vous regardez le film, vous verrez qu’il n’ya pas de téléphone portable dans ce monde. Il n'y a pas de réflexion sur la science-fiction en 2017. Les constructions dans un film telles que gardiens de la Galaxie ou alors Star Trek , les villes sont de chrome et de verre, ce qui est la vision utopique que nous aurions tous en 2017 de notre avenir. Mais bien sûr, c'est loin d'être utopique. C'est une architecture brutaliste, une construction post-japonaise de la Seconde Guerre mondiale. Dans ce monde, nous devions trouver la langue de Fantôme dans la coquille. Cela devait provenir de la vision de Shirow des années 1980, sinon nous aurions considérablement miné la langue vernaculaire des fans de ce film.

est-ce que la maison hype déménage

C'est loin d'être utopique. C'est une architecture brutaliste, une construction post-japonaise de la Seconde Guerre mondiale. Dans ce monde, nous devions trouver la langue de Fantôme dans la coquille. Cela devait venir de la vision de Shirow des années 1980 - Richard Taylor

Quels ont été quelques-uns des plus grands efforts qu'il a fallu pour créer le monde de Fantôme dans la coquille ?

Ben Hawker: Vous voyez cela à travers toutes les étapes de la production, de la conception du concept de base aux costumes que vous voyez. Nos amis Kurt et Bart, qui sont les costumiers du film, ont apporté, vous verrez, de grandes épaulettes, les costumes aux couleurs vives, toutes les néons que vous verrez dans les rues humides, c’est un film typiquement asiatique. Nous avons transformé Wellington en Hong Kong et nous ne pouvons pas vraiment y croire. Un grand nombre de films que la Nouvelle-Zélande est réputée pour faire s'appuient sur le paysage et l'herbe, la campagne et les trous de Hobbit. Et pour que nous puissions faire un film de science-fiction dur dans une petite ville côtière, une capitale comme si c'était peut-être, ce n'est pas une grande hauteur et ce n'est pas densément peuplé, je pense que la production a fait un travail incroyable.

Comment pensez-vous que le film reflète la réalité du monde dans lequel nous allons habiter à l’avenir?

Richard Taylor: Lorsque [la série originale] est sortie, elle a eu un impact significatif, mais bien sûr, elle parlait toujours d'un avenir improbable. En 2017, où nos vies sont entièrement omniprésentes avec nos téléphones portables, nous sommes connectés au réseau, nous sommes reliés sans fil à ce monde technologique. Ainsi, les déclarations faites, ou ces philosophies, la conjecture de ces philosophies d'il y a 30 ans sont vraiment revenues à la maison pour se percher. Cette histoire a en fait des paraboles très importantes sur le monde dans lequel nous vivons. Nous avions la conversation sur le fait que nos enfants sont nés dans un monde très différent de celui de l'existence luxueuse que la plupart de notre génération a eue. Quelle que soit votre éducation, nous avons vécu au sommet de l’humanité au cours des 20 000 dernières années. Et si vous avez l’optimisme que ce monde continuera, alors oui, je crois fermement qu’une grande partie de ce qui est postulé dans ce film fait partie de notre avenir très proche. Ce doit être parce que nous y sommes déjà presque. A.I. est presque sur nous. La capacité de connecter en guirlande l'intelligence de la race humaine est presque sur nous. Et le moment de singularité va avoir un changement significatif dans la façon dont nous nous interagissons en tant qu'humains.

Ben Hawker: La dernière ligne de Rupert du film est que la technologie n’est rien sans l’humanité et nous semblons avoir oublié l’humanité.

Richard Taylor: Nous devons nous accrocher au fait qu'au cœur de notre groupe se trouve une population de penseurs et d'acteurs extraordinaires. Nous élevons nos enfants dans une interface froide et dure. Je l'appelle le futur IKEA à la vanille. Ce n’est pas là où nous voulons être. Nous ne voulons pas que nos enfants interagissent avec le monde à travers des feuilles de verre dures. Ce serait bien de penser que nous avons l'optimisme de garder l'âme en tout. Je pense que ce sera un film très puissant pour les gens. Cela pourrait en fait être un cri de guerre sociale.