L'histoire secrète du MOCA

Dans le cadre de notre nouveau projet américain States of Independence, dirigé par le numérique, nous avons invité nos 30 conservateurs, magazines, créatifs et institutions américains préférés à prendre le contrôle de Dazed pendant une journée. Pour commencer, le Museum of Contemporary Art de Los Angeles présente son point de vue sur la culture visuelle américaine, avec un artiste du net local Petra Cortright Tags For Likes, qui ont fait leurs débuts lors de leur MOCAtv dépistage. Ailleurs, regardez notre entretien avec Petra et sa superbe vidéo et lisez un manifeste du nouveau réalisateur Philippe Vergne. Mais pour l'instant, lisez notre regard sur l'histoire de cet incroyable musée et plateforme.

Le musée d'art contemporain est une icône du centre-ville de Los Angeles - et du monde de l'art contemporain tel que nous le connaissons. Ce n’est pas ainsi que nous l’avons toujours su. La fondation du MOCA en 1979 a marqué l'ouverture du premier musée de la ville consacré à l'art contemporain, mais appeler que son seul premier serait une injustice quant à son importance sur une scène artistique mondiale - et de plus en plus globalisée. MOCA a redéfini la façon dont nous voyons l'art contemporain, hier et aujourd'hui: littéralement, dans son attention influente à la position du public par rapport aux œuvres d'art, et aussi dans le sens plus large de la façon dont nous en sommes venus à voir les contextes sociaux, théoriques et politiques du musée d'art. Pour la création et la conservation contemporaines, MOCA a établi la norme; après le MOCA, les galeries aux États-Unis et en général sont sous l'emprise de cette norme. Les expositions ont été radicales - les espaces, révolutionnaires. L'année du 35e anniversaire de l'institution, et le jour de leur prise de contrôle de l'art, nous avons fouillé dans les archives pour illustrer comment un musée d'art avec toute l'attitude de la sous-culture a réussi à changer le courant dominant pour toujours.



LE POP-UP QUI NE SE FERME JAMAIS

Le concept de l'espace d'entrepôt comme galerie d'art est, en 2014, un concept presque raté dans sa prédominance parmi les scènes artistiques en plein essor. Difficile donc de croire qu'à Los Angeles au début des années 80, la galerie éphémère était une déclaration d'intention radicale. Vous pouvez remercier (ou blâmer) MOCA pour le concept de l'espace galerie temporaire - c'était lors de la construction de MOCA Grand Avenue (la forteresse de grès du célèbre architecte japonais Arata Isozaki ), en 1983, que le Temporary Contemporary a ouvert. Un entrepôt des années 1940 qui avait vu des quincailleries et des voitures de police entre ses 4 murs, l'espace - tous les tuyaux exposés et les niveaux de gris - a été découvert pour être extraordinairement approprié pour accueillir de l'art moderne. Subtilement rénové par le célèbre architecte californien Frank Gehry, le Temporary Contemporary (plus tard le Geffen contemporain ) a captivé les critiques et les mécènes. Plus qu'un lieu, l'espace est devenu le symbole de la nouvelle accessibilité de l'art et de la façon dont nous le rencontrons.

Forêt de signes

Forêt de signes: l'art dans la crise de la représentation au contemporain temporaire- 1989Photo de Gene Ogami, avec l'aimable autorisation du Museum of Contemporary Art,Les anges



LES FILLES SONT DÉFINITIVEMENT BIEN

Les femmes doivent-elles être nues pour entrer dans le Met? Musée? demande une pièce de 1985 d'un groupe féministe Guérilla filles , citant la statistique selon laquelle moins de 5% des artistes des sections d'art moderne sont des femmes, tandis que 85% des nus sont des femmes. Dans leur engagement à refléter la véritable diversité de l’art contemporain d’aujourd’hui, la mission du MOCA a été de combler cet écart. Dans l’exposition historique de 1989, A Forest of Signs: Art in the Crisis of Representation, un nombre sans précédent d’artistes féminines ont été incluses - 12 sur 30 - dont Dara Birnbaum , Louise Lawler et Cindy Sherman . À Barbara Kruger peinture murale a peint le mur sud du Temporary Contemporary pendant deux ans à partir de 1990, suivie plus tard par une grande rétrospective de 99. Avance rapide jusqu'en 2007, et Wack! L'art et la révolution féministe , et MOCA accueille une première mondiale: une grande exposition examinant les fondements et l'héritage de l'art féministe. Pour le MOCA - engagé à explorer la représentation à travers les personnes sous-représentées - il n'y a tout simplement pas de vide.

Barbara Kruger - 1999

Barbara Kruger- 1999Photo de Brian Forrest, avec l'aimable autorisation du Museum of Contemporary Art,Les anges



DES RUES À L'ESPACE GALERIE

Il y a le rêve américain et puis il y a tout le reste - pour MOCA, tout le reste a souvent fait l’objet d’expositions qui explorent les récits des rues de sa ville. En 1992, MOCA a inauguré une nouvelle ère de l'art avec Helter Skelter, une étude de l'art de la région de Los Angeles qui visait à explorer les récits créés dans les longues ombres projetées par la dure lumière du sud de la Californie. Faits saillants inclus Richard Jackson Big Time Ideas, composé de 1000 horloges tournant à l'unisson. 2011 L'art dans les rues était la première étude complète des États-Unis sur le graffiti et le street art. Banksy , Futur, Les jumeaux et coll. a représenté le MOCA comme un transgresseur: briser les frontières entre le public et le privé, le mercantilisme et l'individualisme.

Helter Skelter: LA Art dans les années 1990 - 1992

Helter Skelter: LA Art dans les années 1990- 1992Photo de Paula Goldman, avec l'aimable autorisation du Museum of Contemporary Art,Les anges

ART DE LA PERFORMANCE POUR LES MASSES

Peut-être plus que toute autre galerie, MOCA trouve ses origines dans la diffusion de l'art de la performance au grand public. Lors de la réouverture du Temporary Contemporary après une fermeture de 3 ans en 1995, la galerie a évité un lancement à succès pour une première partie plus organique: Elizabeth Streb Action Occupation, une résidence qui célébrait le pouvoir de l’espace de revitaliser les personnes et l’art qui occupaient son vaste espace. En 1998, Out of Actions visait à explorer les liens complexes entre la performance et les œuvres d'art dans la période d'après-guerre: avec plus de 100 artistes de 20 pays, l'exposition révolutionnaire a clairement montré que l'art de la performance ne se produit pas et ne peut pas se produire une bulle. La galerie a contribué à un changement radical dans la façon dont l'action dans l'art est considérée du tout - c'est peut-être le sondage de la fin Mike Kelley , maintenant au MOCA, qui représente le mieux cette attitude multidisciplinaire avec son étude affectueuse d'un artiste qui a travaillé dans presque tous les médiums, et à cheval sur la contre-culture et la culture de masse.

Hors actions: entre la performance et l'objet 1949-1979

Out of Actions: entre performance etObjet 1949-1979Photo de Brian Forrest, avec l'aimable autorisation du Museum of Contemporary Art,Les anges

LE PUBLIC EST PRÉSENT

MOCA a toujours été en avance sur la foule en ce qui concerne l'immersion totale du public dans son monde de l'art - parfois littéralement, comme dans la recréation de Helio Oiticica et la piscine commune de Neville D'Almeida (!) dans le Suprasensorial de 2010. Ce sont cependant les extensions numériques de la galerie qui prouvent sa position en tant que musée déterminant de la culture contemporaine. MOCAtv, la chaîne YouTube du musée, a été lancée en 2012 et reste la seule chaîne artistique à faire partie des chaînes originales de la plate-forme. Les premières incluent la première Bjork Vidéo Mutual Core en 2012 et, la semaine dernière, la première de l'art numérique chérie Petra Cortright Balises pour la série de vidéos Likes (qui fait ses débuts sur Dazed - regardez ci-dessous). Comme Woody Allen pourrait dire: «la vie n'imite pas l'art; l'art imite la télévision ».