Les meilleurs films où personne ne dit un mot

Dans le nouveau film de Studio Ghibli, La tortue rouge , c’est l’homme contre la nature et, plus important encore, le scénariste contre le dialogue. Pas un seul mot n’est prononcé dans la fable 2D de Michael Dudok de Wit, et pour une fois, les fans d’animés n’auront pas à choisir entre des projections sous-titrées ou doublées. Au lieu de cela, le conte animé - une tortue géante empêche un naufragé de s'échapper d'une île - complète ses graphismes exquis avec un paysage sonore clairsemé, et c'est tant mieux pour elle.

Par la suite, en tant que spectateur, vous faites attention à chaque crabe galopant et au balancement de l'océan; vous laissez la partition méditative envahir votre esprit et vous transporter dans le décor sablonneux; vous trouverez peut-être plus difficile d’ignorer la personne qui mange du maïs soufflé dans la rangée derrière vous, mais vous ne pouvez pas tout avoir. De plus, le récit insaisissable laisse libre cours à votre imagination. Le film semble toucher aux pressions familiales. Il s’agit certainement de la nature. Et si vous êtes un malade sans aucune métaphore, c'est un mec déshydraté qui s'entraîne avec un reptile mort. Mais sans dialogue explicatif, tout est à interpréter.



Bien que les réalisateurs prétendent être principalement des conteurs visuels, il est en fait assez rare qu’un film soit complètement muet. Ryan Gosling marmonne toujours 17 phrases dans Seul Dieu pardonne , et un peu plus dans Conduire , tandis que Will Smith est son habituel chatterbox Je suis une légende , en dépit d'être complètement seul . Mais quand un film résiste au dialogue traditionnel (j'entends ça La La Land est considérablement amélioré en appuyant sur le bouton de sourdine), il peut souvent être spécial. Voici les meilleurs d'entre eux.

LA TRIBU (Myroslav Slaboshpytskiy, 2014)

Situé dans un internat ukrainien pour adolescents sourds, le thriller policier captivant de Slaboshpytskiy est entièrement raconté en langue des signes et présenté sans sous-titres. Pour la plupart des téléspectateurs, cela implique de jouer au détective avec les mouvements du corps et de déchiffrer ce que chaque gang est en train de comploter. Souvent, les personnages ont plusieurs longueurs d'avance sur le spectateur (sauf si vous maîtrisez la langue des signes ukrainienne); à l'occasion, ils oublient les sons d'avertissement d'un camion qui fait marche arrière. Quoi qu’il en soit, c’est un événement unique fascinant, et l’histoire elle-même ne fait pas de bruit avec son histoire de corruption, de prostitution et de meurtres extrêmement désordonnés. Y aura-t-il jamais une version sous-titrée? Slaboshpytskiy nous a dit: Non, même pas après ma mort.

KOYAANISQATSI (Godfrey Reggio, 1983)

La musique de Philip Glass a tendance à être préférable à la plupart des conversations, et Reggio le confirme avec son documentaire sans paroles explorant la nature destructrice de l’humanité. Dans Koyaanisqatsi (Hopi Indian pour la vie déséquilibrée), tout ce que l'on entend est une partition éthérée de Glass, et tout ce que l'on voit est une série d'images. La caméra glisse sur les déserts, survole les forêts tropicales et, inévitablement, est aspirée par la pollution des villes encombrées. L’influence du poème sur le ton est aujourd'hui importante - Mike Mills ’ Femmes du XXe siècle rend hommage aux images accélérées - et rappelle que les êtres humains ont détruit un monde merveilleux. Aucune voix off n'est nécessaire pour faire passer cela.



TOUT EST PERDU (J.C. Chandor, 2013)

Comme La tortue rouge , Le thriller muet de Chandor jette un homme dans l'océan et obtient ses coups de pied en le regardant se tortiller. Pendant près de deux heures, l'action consiste en Robert Redford - le seul personnage à l'écran - tentant de réparer son bateau en train de couler, tandis que des poissons et des crabes indifférents ignorent son sort. Ce qui maintient le film à flot, ce sont les expressions faciales épuisées et le travail improvisé de Redford; parfois, c'est comme regarder un artiste dont les outils se trouvent tous sur le pont. Pas d'histoire, pas de volley-ball appelé Wilson - juste une pure histoire de survie et une leçon sur la conversion de l'eau de mer en quelque chose de potable.

L'ÉLECTRÔME DE DAFT PUNK (Thomas Bangalter, Guy-Manuel de Homem-Christo, 2006)

Pour une grande partie de Electrome , le seul son est les pas de deux robots Daft Punk (acteurs, pas les vrais DJ) marchant dans un désert à la poursuite de… eh bien, ce n’est pas clair, car personne ne dit rien. Le film, un lien thématique avec Humain après tout , est essentiellement celui de Gus van Sant Gerry avec moins de paroles, plus de casques et une bande-son des années 70 (Brian Eno, Todd Rundgren, etc.). Pourtant, seul Daft Punk pourrait faire - ou du moins s'en tirer - Electrome , qui possède son propre Être John Malkovich moment où l'Amérique se révèle envahie par les doppelgangers Daft Punk.

Homo Sapiens (Nikolaus Geyrhalter, 2016)

Le documentaire obsédant de Geyrhalter consiste en de longs plans statiques d'architecture abandonnée - il pourrait s'agir d'un cinéma abandonné en Californie ou de parties évacuées de Fukushima - avec uniquement les sons résonnants de la pièce pour l'accompagnement. Il n'y a pas d'humains ici, juste des preuves qu'ils ont existé autrefois. Mettant en vedette occasionnellement des camées d'oiseaux et parfois des morceaux de déchets dans le vent, le film étrange envisage un monde plus calme et plus paisible sans l'humanité. Ensuite, vous remarquez la mousse envahissant les bâtiments et la pluie ruisselant du plafond, et tout à coup c'est clair: ce sont des plans d'action au ralenti de la nature qui récupère sa planète.



MOEBIUS (Kim Ki-Duk, 2013)

Un drame familial sans paroles avec castration, inceste et orgasmes assistés au couteau? Ce ne pouvait être que Ki-Duk. Dans Moebius , le cinéaste coréen coiffe sa violente réputation en supprimant tout dialogue et en amplifiant ainsi l'irrationalité des impulsions humaines. Prenez les 10 premières minutes: une mère surprend son fils en train de se masturber, alors elle tranche son pénis et le digère brut - c'est déjà assez dérangeant en soi, mais sans échange verbal, c'est déchirant. (Non pas que des excuses auraient guéri les choses.) À partir de là, cela devient plus extrême - oui, vraiment - et le tout sans un lambeau de dialogue, juste des gémissements d'inconfort et de plaisir occasionnel.

GIRL WALK // TOUTE LA JOURNÉE (Jacob Krupnick, 2011)

Défini entièrement sur l'album composite de Girl Talk Toute la journée , Le clip de 75 minutes de Krupnick est un triangle amoureux sans paroles qui se déroule parmi des New-Yorkais sans méfiance. Un rush sucré du début à la fin, il a été tourné sans permis et met en vedette un trio de danseurs - The Girl, The Gentleman et The Creep - qui se font avec style en public. De plus, tout est chorégraphié sur le hip-hop: regardez The Girl qui quitte son cours de ballet pour Move Bitch (Get Out the Way) et lance un strop à Hard in da Paint. Et si, par exemple, vous aimez plus Soulwax que Girl Talk, au moins il y a un divertissement supplémentaire à observer les inconnus perplexes en arrière-plan.

LA DERNIÈRE BATAILLE (Luc Besson, 1983)

Soyons honnêtes, personne ne regarde les films de Besson pour le dialogue. Donc ça joue au cinéma du look les atouts de maestro que ses débuts en noir et blanc, La dernière bataille , imagine un environnement post-apocalyptique dans lequel les humains ne peuvent plus parler physiquement. Ce que ces survivants font à la place, c’est se battre pour la nourriture et l’eau, le tout sans lâcher de slogans boiteux ou de monologues chahuteurs qui reflètent les convictions politiques du réalisateur. Ressemblant à un film muet, la science-fiction peut sembler démodée lorsque la partition originale entre en jeu, mais les plans 35 mm d'un désert désertique font allusion à un réalisateur ayant les yeux sur des superproductions plus grandes et plus verbeuses.

JUHA (Aki Kaurismäki, 1999)

Kaurismäki (alias Jim Jarmusch sans les acteurs de la liste A) est peut-être célèbre pour les conversations impassibles de ses films, mais Juha rompt avec la tradition en se présentant en noir et blanc et avec son bref dialogue écrit en intertitres. Cependant, l'auteur finlandais a déjà expérimenté le silence, principalement avec l'ouverture sans paroles de La fille de Match Factory , et ici, Kati Outinen joue à nouveau le rôle d'une femme lésée par les hommes de sa vie. Dans le cadre de l'exercice, Kaurismäki est moins comique que d'habitude, mais ses marques ésotériques omniprésentes (barres de plongée, rôle de soutien pour son chien, etc.) compensent le manque de rêveries drôles.

DANS LA VILLE DE SYLVIA (José Luis Guerín, 2007)

Bien qu’il y ait un bref moment de dialogue - en dire plus serait un spoiler - l’audacieux marathon de Guerín est, pour l’essentiel, l’errance sans paroles d’un mec assoiffé à la recherche d’une femme qu’il a rencontrée dans un bar six ans auparavant. La tension, donc, si vous pouvez l'appeler ainsi, réside dans le paysage sonore délicat et dans la façon dont les conversations se fondent dans l'arrière-plan; n'importe laquelle de ces personnes pourrait être Sylvia, et vous finissez par scruter les environs à la recherche d'indices. Cela dit, non seulement le gars possède-t-il les traits d'un harceleur, mais il est aussi un cinglé total - qui marche aussi longtemps sans brancher les écouteurs?