Pourquoi le peintre Francis Bacon était le plus grand punk de l’art

En avril 1945, le peintre d'origine irlandaise Francis Bacon, alors âgé de 35 ans, a fait ses débuts à la Lefevre Gallery de Londres, ce qui allait devenir sa première œuvre phare. Titré Trois études de personnages au pied d'une crucifixion , l'œuvre était un triptyque de peintures prétendument calquées sur les tragédies de la Grèce antique, L'Oresteia. Il présentait des créatures humanoïdes déformées sur un fond orange ardent. C'était choquant et cela a valu à Bacon le titre de l'un des peintres les plus établis de Grande-Bretagne.

Dès le moment où Francis Bacon a commencé à exposer régulièrement, en 1945, les critiques ont été fascinés et repoussés par son travail. Les bouches hurlantes, les yeux déformés et les parties du corps déformées ou gonflées de ses personnages étaient perçus comme des marqueurs de brutalité ou le résultat de pulsions et de sentiments d'inquiétude incontrôlés, explique Elena Crippa, commissaire de l'exposition qui vient d'ouvrir, Tous trop humains: Bacon, Freud et un siècle de peinture, qui présente plusieurs œuvres de Bacon. C'était à une époque où l'on attendait des artistes qu'ils produisent des œuvres reflétant un rôle socialement progressiste. Bacon ne peignait pas des êtres idéalisés mais révélait la nature la plus intime, transgressive et indisciplinée des gens.

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C'était à une époque où l'on attendait des artistes qu'ils produisent des œuvres reflétant un rôle socialement progressiste. Bacon ne peignait pas des êtres idéalisés mais révélait la nature la plus intime, transgressive et indisciplinée des gens - Elena Crippa

Alors que la sous-culture punk des années 70 était le produit d'une génération de jeunes britanniques privés de leurs droits et de la montée du thatchérisme, du chômage et des tensions raciales, le travail de Bacon était symbolique de la Grande-Bretagne d'après-guerre - un sentiment manifesté à la suite de l'ombre de la Seconde Guerre mondiale et des horreurs de l'Holocauste. Ses œuvres ont mis en lumière les sombres réalités d'une innocence collective brisée. Mais son art était aussi profondément personnel. En grandissant, sa famille a déménagé à plusieurs reprises entre l'Irlande et l'Angleterre, lui conférant un sentiment de déplacement qui durerait toute sa vie. On dit que les éléments du sado-masochisme dans son travail peuvent également être attribués à cette époque où il a été puni par son père pour avoir enfilé des robes et des sous-vêtements de sa mère. Son homosexualité n'a fait que le bouleverser et il a été expulsé de chez lui avant de se rendre à Londres avec une allocation de 3 £ par semaine de sa mère.

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En tant qu’artiste autodidacte, les peintures de Bacon abandonnaient souvent les pinceaux pour des chiffons, ses doigts ou en appliquant de la peinture directement à partir du tube, et créant une physicalité tachée, tachée et brute. Il a également préféré travailler à partir de références telles que les figures bizarres capturées par le photographe Eadweard Muybridge, un livre sur les maladies anatomiques de la bouche qu'il a acheté d'occasion à Paris en 1935, et une scène spécifique d'une infirmière hurlante du film de 1925 de Sergei Eisenstein. Cuirassé Potemkine , par opposition à la pratique plus acceptable consistant à utiliser des modèles de vie.

Francis Bacon - Etude pour Portrait de Lucian Freud

Francis Bacon (1909-1992) Étude pour le portrait de Lucian Freud (1964). Peinture à l'huile sur toile, 1980 x1476 millimètreLa collection Lewis © La succession de Francis Bacon. Tous les droits sont réservés. DACS, Londres Photo: Prudence CumingAssociates Ltd

Des peintures comme les Trois études pour les personnages de Bacon de 1945 à la base d'une crucifixion contiennent la même essence punk que les Sex Pistols de 1977 God Save the Queen - bien qu'elles soient antérieures à cette dernière de trois décennies. Tous deux ont exprimé un profond ressentiment et chacun est apparemment sorti de nulle part. Ils présentent également une vision expressionniste du monde, où l'art reflète les sentiments et les émotions profonds de son artiste. Dans une interview avec le critique d'art John Gruen, a déclaré Bacon, je suis toujours convaincu qu'un artiste doit être nourri de ses passions et de ses désespoirs. Ces choses modifient un artiste, que ce soit pour le bien, le meilleur ou le pire. Dans les années 70, ces sentiments étaient présentés de manière sonore par l'angoisse. Pour Bacon, ils passaient par le motif récurrent de la bouche silencieuse mais hurlante.

La romance de l'artiste avec l'ancien criminel de l'East End George Dyer - qu'il a rencontré à Londres à la fin de 1963 - était sans doute au cœur du chaos des peintures ultérieures de Bacon. Décrit par les critiques comme turbulent et finalement tragique, Bacon a peint son amant de manière obsessionnelle, alors même qu'ils se sont distancés. En 1971, deux jours avant l’ouverture de la rétrospective de Bacon au Grand Palais à Paris, Dyer se suicide. Bacon était consumé par le chagrin mais l'a canalisé à travers ses œuvres telles que Triptych May to June 1973, qui dépeint un Dyer en surdosage. Dans celui-ci, l'obsession de Bacon pour la vie, le sexe et la mort se combinent sur un fond noir vide: à gauche, Dyer est assis sur les toilettes en train de chier, et à droite, il vomit dedans. Dans l'image centrale, Dyer est à peine là, englouti par une ombre sombre qui ressemble à un ange. le Fois a écrit que Bacon avait une fois décrit la peinture comme un exorcisme , ajoutant que c'était l'une de ses peintures les plus brutales, basée uniquement sur des faits.

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(La violence de la peinture est) à voir avec une tentative de refaire la violence de la réalité elle-même - Francis Bacon

C'est à cause de ses propres expériences de vie et de références d'un autre monde que les œuvres de Bacon n'auraient jamais pu se conformer aux idéaux d'un monde d'après-guerre - qui ont été soulignés dans les coups de pinceau gestuels de l'expressionnisme abstrait (grâce à des artistes tels que Jackson Pollock ou Willem de Kooning ) ou surréalisme (notamment via les artistes espagnols Salvador Dali et Pablo Picasso). Alors que ces mouvements inspiraient Bacon - il décrivait un jour Picasso comme la figure paternelle et la raison pour laquelle je peins - ils se concentraient sur le potentiel de l'inconscient. Au lieu de cela, Bacon s'est concentré sur le rôle du corps dans l'expérience humaine réelle. Les illustrer sous des formes primitives, animales, ou des figures (dans) des moments de crise. Il a dit à David Sylvester: Quand on parle de la violence de la peinture, cela n’a rien à voir avec la violence de la guerre. Il s’agit d’une tentative de refaire la violence de la réalité elle-même… la violence des suggestions au sein de l’image qui ne peut être véhiculée qu’à travers la peinture. Tout comme le punk le ferait - le travail de Bacon a traversé les conneries. Et - aux côtés de ses contemporains de la School of London, tels que Frank Auerbach, Lucian Freud et Leon Kossoff - ont épluché la chair pour libérer l'émotion brute, le désir et l'obscurité.

All Too Human: Bacon, Freud, and a Century of Painting Life - par Elena Crippa, conservatrice, Modern and Contemporary British Art, et Laura Castagnini, assistante curatrice - s'exécute à la Tate Britain de Londres du 28 février au 27 août 2018