Sept artistes féminines qui ont renversé le surréalisme

En 1924, l'artiste français André Breton a inventé le terme surréalisme dans son Manifeste du surréalisme comme: automatisme psychique à l'état pur, par lequel on se propose d'exprimer - verbalement, au moyen de l'écrit, ou de toute autre manière - le fonctionnement actuel de la pensée. Cette définition a bien servi le mouvement, en particulier parce qu'il était inondé d'hommes libres de penser, de se comporter et de s'exprimer de manière si automatique sur leurs expériences subconscientes, leurs états de rêve et leurs mondes intérieurs. Mais pour les femmes, qui à peine 30 ans plus tôt ont été diagnostiquées par le psychanalyste Sigmund Freud comme hystériques pour avoir exprimé un comportement mental inhabituel, la définition du surréalisme a pris sa propre signification critique - c'était une façon d'exprimer la psyché féminine d'une manière jamais faite auparavant. .

Les femmes arboraient le surréalisme avec un nouveau type de conscience de soi jamais atteint par leurs homologues masculins. Leur expression intuitive a fait passer le mouvement de quelque chose d'assez dissocié de la réalité à une exploration profondément personnelle de l'émotion humaine, du traumatisme personnel, du subconscient, de la sexualité féminine et de l'identité, le tout à travers une lentille de fantaisie. Parce que de nombreuses femmes surréalistes avaient l'habitude de se poser en muses pour leurs homologues masculins, en récupérant leur rôle de créatrices, les femmes ont pu dicter la façon dont leurs corps étaient représentés et ainsi libéré le corps féminin du regard masculin oppressant. Grâce à leur travail, souvent endémique de désir sexuel, le corps a été restauré avec puissance et subjectivité. Surpassant la façon dont leur état mental était opprimé dans le passé, le surréalisme permettait aux femmes d'exprimer librement leur subconscient.



Les gens parlent du surréalisme comme d'un mouvement artistique, comme l'expressionnisme abstrait ou l'impressionnisme. Le surréalisme est un mouvement philosophique - Dorothea Tanning

Malgré la manière dont les femmes ont apporté un sens entièrement nouveau au surréalisme, leur travail a été largement omis de l'histoire jusqu'à ces dernières années où de nombreuses femmes surréalistes ont été mises en lumière à travers des expositions rétrospectives. À Londres en ce moment, c’est le surréaliste américain Bronzage Dorothea qui se concentre à la Tate Modern avec une rétrospective présentant plus de 100 peintures, sculptures et écrits fantastiques de l'artiste au cours de ses 70 ans de carrière. Comme observé à travers le spectacle, Tanning a joué un rôle clé pour apporter une charge sexuelle non filtrée au surréalisme et ses œuvres lui ont permis d'explorer son identité, libérée des constructions sociales et genrées. Les gens parlent du surréalisme comme d'un mouvement artistique, comme l'expressionnisme abstrait ou l'impressionnisme, a déclaré Tanning. Le surréalisme est un mouvement philosophique.

Il est important de noter que Tanning était également un ardent défenseur de l'idée que les femmes artistes ne devraient pas être canonisées par leur sexe. Artistes femmes. Il n'y a rien de tel - ou personne, a déclaré Tanning. C’est tout autant une contradiction dans les termes «homme artiste» ou «artiste éléphant», a-t-elle ajouté. Vous pouvez être une femme et vous pouvez être une artiste, mais l'un est une donnée et l'autre c'est vous.



Dans le même esprit, ci-dessous, nous explorons comment sept artistes ont dépassé leurs constructions de genre pour changer toute l'histoire du surréalisme.

Dorothea Tanning Un peu de musique de nuit

Un petitNachtmusik, 1943Bronzage Dorotheavia Pinterest

BRONZAGE DOROTHÉE

Née dans la ville de Galesburg, dans l'Illinois, de parents migrants suisses en 1910, à 16 ans, Tanning a obtenu un emploi d'assistante dans sa bibliothèque locale: un poste qui allait susciter sa profonde passion pour la créativité, la poussant à déménager à Chicago et à étudier. à la Chicago Academy of Art en 1930. Cinq ans plus tard, Tanning déménage à New York où elle travaille à illustrer des publicités pour Macy's jusqu'à ce qu'elle se lance dans une carrière d'artiste dans les années 1940.



Le bronzage a été initié au surréalisme en 1936 après avoir visité l'émission révolutionnaire du MoMA Art fantastique, Dada, surréalisme qui comprenait des œuvres de Max Ernst, Marcel Duchamp, René Magritte, etc. Émerveillée par la liberté psychique du spectacle, elle a déclaré dans une réflexion diaristique dans l'autobiographie Entre les vies: une artiste et son monde , ici, dans le musée, c'est la véritable explosion qui me berce sur mes talons. Voici le monde aux facettes infinies que je devais attendre. Voici l'étendue illimitée de POSSIBILITY, une perspective n'ayant qu'incidemment à voir avec la peinture sur des surfaces.

Ici, dans le musée, c'est la véritable explosion qui me berce sur mes talons. Voici le monde aux multiples facettes que j'attendais - Dorothea Tanning

En 1942, Tanning a peint Birthday - un autoportrait qui garantirait sa porte d'entrée dans le surréalisme. Rampante d'énergie sexuelle, l'image montre une expression brute de la sexualité féminine alors que Tanning se dresse avec des cheveux ébouriffés, une poitrine nue sans vergogne et une jupe ébouriffée dont les matériaux rappellent les racines des arbres. À gauche de la figure se trouve une spirale sans fin de portes ouvertes, et devant elle un lémurien fantastique avec des ailes. La même année, le surréaliste Max Ernst a visité la maison de Tanning sur instruction de sa femme Peggy Guggenheim d'aller sélectionner une œuvre pour son prochain spectacle. Exposition, 31 femmes artistes . Tout comme le reste du monde qui allait suivre, Ersnt a été séduit par Birthday et l'a sélectionné pour le spectacle.

Dans Birthday, nous trouvons le début du symbolisme qui caractériserait toute la carrière de Tanning, y compris les notions de renaissance, de sexualité et de références à Alice au pays des merveilles de Lewis Caroll signifiées dans la porte en spirale sans fin de la peinture. Alice était l’une des héroïnes préférées de Tanning. Dans les années 1950, les peintures de Tanning sont devenues plus abstraites et axées sur la forme humaine. Je ne vois pas pourquoi on ne devrait pas être absolument fasciné par la forme humaine ..., a un jour déclaré Tanning. Nous traversons la vie dans cette merveilleuse enveloppe. Pourquoi ne pas reconnaître cela et essayer de dire quelque chose à ce sujet? Ce que j'essaie de dire à ce sujet, c'est la transformation.

Dans les années 1960, elle se consacre à la réalisation de sculptures corporelles en tissu. L'artiste a vécu jusqu'à 102 ans et sa dernière création était un ensemble de poèmes intitulé Venir à cela qui a été publié à l'âge de 101 ans.

Anniversaire de Dorothea Tanning, 1942

Anniversaire, 1942Bronzage Dorotheavia Pinterest

MERET OPPENHEIM

Lorsque la surréaliste berlinoise Meret Oppenheim était adolescente, son père psychanalyste lui a recommandé d’écrire ses rêves - une pratique clé de la création surréaliste et un processus qui s’est poursuivi tout au long de la carrière du sculpteur.

À 18 ans, Oppenheim s'installe à Paris pour étudier à l'Académie de la Grande Chaumière, où elle se lie bientôt d'amitié avec des surréalistes établis tels qu'Alberto Giacometti et Pablo Picasso. À 19 ans, elle montre son travail aux côtés de ces artistes et modélise le nu pour Man Ray. À 23 ans, Oppenheim a eu sa première exposition personnelle de manière impressionnante, dans laquelle beaucoup l'appelaient M. Oppenheim en raison de la masculinité intrinsèque du mouvement. On dit qu'Oppenheim a convaincu ces surréalistes de rejoindre le club réservé aux garçons - jusqu'à elle, il n'y avait pas de femmes autorisées.

La surréalité d’Oppenheim était motivée par une prise de conscience de la manière dont les femmes étaient perçues dans la société dans les années 1930, et elle a utilisé son art comme commentaire sur cette expérience. Son travail a été salué avec des tons humoristiques et érotiques qui ont toujours été soulignés par une critique de cette oppression. Pour contester les rôles de genre imposés, Oppenheim a couramment incorporé le symbolisme domestique dans ses œuvres sculpturales. Prenons son Object (1936) comme un excellent exemple.

La sculpture a commencé comme une blague lors d'un déjeuner à Paris avec ses collègues surréalistes Dora Maar et Pablo Picasso. Le duo a remarqué un bracelet doublé de fourrure qu'Oppenheim portait et a plaisanté (surréaliste) en disant que tout pouvait être recouvert de fourrure. Même cette tasse et cette soucoupe, répondit Oppenheim. Son imagination s'est enflammée, et elle a fait exactement cela en recouvrant une tasse et une soucoupe de fourrure brune, démantelant la fonction socialement prévue de l'objet. Ce faisant, Oppenheim subvertit la logique et la rationalité que la société impose aux objets domestiques et aux structures de genre enchâssées qui les accompagnent. L'objet est maintenant considéré comme l'un des objets surréalistes les plus importants à ce jour pour la façon dont il défend l'idée surréaliste que lorsque des objets banals sont présentés de manière illogique, ils ont le pouvoir de défier la raison.

Objet Meret Oppenheim, 1936

Objet, 1936Meret Oppenheimvia Pinterest

CLAUDE CAHUN

Le membre fondateur surréaliste André Breton a un jour qualifié le photographe franco-juif Claude Cahun de l'un des esprits les plus curieux de notre temps - et il avait raison. La curiosité de Cahun a pris vie dans la manière dont elle a utilisé le surréalisme pour étudier sa propre identité de genre. Avec une caméra en main, Cahun a fusionné tendances surréalistes et photographie pour l'étude visuelle ultime de la fluidité des genres et du subconscient au début des années 1920. Sous ce masque, un autre masque, lit l'une de ses citations les plus célèbres. Je n'aurai jamais fini de supprimer tous ces visages.

En 1932, Cahun rejoint l'Association des écrivains et artistes révolutionnaires de Paris et rencontre Breton peu de temps après. Elle commence alors à s'aligner plus étroitement sur le mouvement en rédigeant des textes surréalistes et en exposant ses photographies avec le groupe. Elle a même écrit une lettre ouverte en 1934 intitulée, Les Paris Sont Ouvres (The Parises are Open or Bets are On), qui a montré sa position contre les formes d'art formalistes et propagandistes alors qu'elle s'engageait à aimer le surréalisme.

Le surréalisme de Cahun se trouve dans la façon dont elle a subverti le réalisme de la photographie en le remplaçant par un symbolisme étrange. L’un des symboles les plus couramment utilisés par Cahun est celui du «double» subconscient où Cahun apparaît étrangement deux fois dans la même image pour explorer la fluidité de son identité. Une autre approche surréaliste est l’utilisation du photomontage par Cahun - une technique surréaliste clé qui implique le collage de symboles. Les deux faces de son surréalisme se rejoignent dans son collage Aveux non Avenus (1930), réalisé alors que Cahun était au sommet de son surréalisme. Le photomontage du symbolisme surréaliste comme les yeux, l’espace et les animaux, crée un monde onirique reflétant la réalité interne de Cahun. Si vous regardez de près, dans ce qui semble être une loupe, nous voyons le reflet d'un de ses autoportraits Que Me Veux-Tu (1929) qui était un portrait de deux Cahuns côte à côte, fait pour explorer sa double identité et subconscient «double».

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Claude Cahun Aveux non Avenus , 1930

Aveux non Avenus, 1930Claude Cahunvia Pinterest

LEONORA FINI

La peintre argentine Leonora Fini était l'héroïne de l'érotisme surréaliste. Elle l'a sauvé de la fétichisation des hommes en peignant des femmes fortes et puissantes (ou des personnages androgynes) arborant des symboles fétichistes comme le caoutchouc, la corseterie et les collants serrés juxtaposés à des figures mythiques comme les sphinx, les loups-garous et les sorcières. Ses œuvres, souvent tirées de l'expérimentation sexuelle et de la rébellion, montrent à quel point la subversivité sexuelle est une source de grand pouvoir.

Alors que d'autres surréalistes étaient motivés par la pensée et la création automatiques, Fini était motivé par un désir sexuel inhabité. Elle jouait généralement un rôle en utilisant des masques, des vêtements pour hommes, et était l’une des seules femmes à créer des œuvres à partir des écrits du fétichiste du XIXe siècle, le marquis de Sade (d’où vient le mot sadomasochisme). Avec une réalité entière ancrée dans la liberté sexuelle, cette évocation directe se traduit par des œuvres comme Femme en Armue II de Fini (1938) qui met en scène l'écrivain français hors-la-loi Jean Genet dans le rôle d'une femme serrée dans un corset en caoutchouc et des gants. Le détail fini dans lequel Fini visualise le caoutchouc, et la façon dont ils agissent comme armure pour un spectacle créatif interdit, l’affiliation de Fini avec le sexe en tant que forme de sauveur.

Son influence sur le surréalisme se voit également dans la manière dont elle a recontextualisé le canon surréaliste masculin à travers son travail. Alors que la masculinité était fière du travail des surréalistes masculins comme forte et puissante, Fini fait des hommes ses soumis en les peignant dans des états passifs et endormis, souvent à l'appel de ses femmes héroïnes. Nous voyons cela dans sa peinture de 1942 Femme assise sur un homme nu.

Leonor Fini Femme en Armue II, 1938

Femme en ArmueII, 1938Eleanor Finivia Pinterest

LEE MILLER

Le photographe américain Lee Miller a révolutionné la photographie surréaliste, en particulier sa relation à la mode. Débutant sa carrière de mannequin à New York pour Vogue dans les années 1920, elle s'installe ensuite à Paris où elle se consacre à la photographie de mode et aux beaux-arts.

À Paris, Miller a rencontré Man Ray et est rapidement devenu son apprenti, son amant et sa muse, tout en courant dans des cercles surréalistes avec des artistes comme Picasso et Jean Cocteau. C'est ici qu'elle a créé son propre studio photo, prenant souvent les devoirs de Ray au point que bon nombre des photos prises dans les années 1930 qui ont été créditées à Ray ont en fait été prises par Miller. Mais alors que l'histoire qualifierait généralement Miller de muse avant un artiste, Miller a toujours été un surréaliste inhérent à son propre mérite.

La profondeur psychologique et la liberté émotionnelle des œuvres de Miller étaient une corrélation directe avec son style de vie bohème, qui la libéra de ce que l'on attendait d'elle en tant que femme dans les années 1930-1940. Elle travaillait, possédait son propre studio, voyageait librement et était même correspondante de photographie de guerre pour Britanique Vogue . Elle a projeté sa vision surréaliste sur tout ce qu'elle a fait, en particulier celui de sa photographie de mode où elle a juxtaposé le symbolisme de la mode traditionnelle avec des décors et des décors inattendus pour démanteler la rationalité, surtout quand une telle irrationalité était nécessaire pour comprendre les turbulences de son temps dans le premier et le second monde guerres.

L'influence surréaliste de Miller sur Ray s'infiltre à travers des images comme le 1930 Nude Bent Forward de Miller. Le duo partage le style du minimalisme noir et blanc, mais contrairement aux images de Ray qui tendent à érotiser la forme féminine, l'œil de Miller libère le corps - ses nus sont une récupération importante du corps féminin de la fétichisation et de l'objectivation du regard masculin.

Au-delà des nus, le surréalisme de Miller voyage à travers son travail en tant que Vogue Correspondante photo de la Seconde Guerre mondiale, où elle a mélangé le reportage photo et le surréalisme pour créer des images provocantes. Ses photographies ont choqué les gens hors de leur zone de confort, a déclaré un jour Mark Haworth-Booth, commissaire de l'émission 2007 de V&A. L'art de Lee Miller , au New York Times . Elle avait un éclat de glace dans son cœur. Elle est devenue très proche des choses… C’est ce qui fait la différence - Lee était prêt à choquer.