Rhea Dillon élève la vie britannique homosexuelle dans son nouveau film libérateur

Tout droit sorti de la porte, nous sommes jetés dans l'action Le nom que je m'appelle . Les pieds qui courent d’un enfant martèlent le trottoir au ralenti pendant quelques brèves secondes avant de nous transporter vers une scène funéraire à couper le souffle. Les caméras se déplacent lentement avec intention alors qu'elles suivent deux personnages qui se contorsionnent et organisent leur corps de manière fluide devant une foule toujours en deuil et un monticule de terre, le tout tandis que le paysage sonore rempli de cordes se gonfle et s'intensifie.

C'est une ouverture indéniablement forte de la plasticienne de 23 ans Rhea Dillon, qui expose la pièce qui sert également de projet universitaire final, comme une installation pour un course limitée de trois jours dans un petit espace sur Bateman’s Row à Londres. Équipé de parfums sélectionnés de la diaspora par la marque de parfum Byredo et de fleurs funéraires de Sage Flowers, commémorant «Moi-même» en lettres florales, c'est une expérience encapsulante.



Inspiré par Audre Lorde Zami: une nouvelle orthographe de mon nom , qui explique Dillon lui a montré le pouvoir de comprendre et de respecter l'histoire de sa vie, et la théorie de la double conscience de WEB Du Bois, le film vous guide chaleureusement à travers les maisons physiques et émotionnelles des propres amis de Dillon, ses inspirations et plus encore - dans un taxi avec vos proches, dans la cuisine en famille ou dans l'obscurité de la nuit dans les rues. Le film est une exploration fascinante de la communauté queer britannique noire dans toute sa tendresse, sa beauté et ses intersections.

Ci-dessous, elle explique l’importance de dépeindre la noirceur de manière ancrée à travers ce qu’elle appelle «l’afrofuturisme humain», l’incroyable distribution de personnages représentés, l’effacement de l’expérience des Noirs britanniques et le rapport entre la bizarrerie et les récits de vie et de mort.

Rhea Dillon, le nom que je m'appelle

Une image de The Name IAppelez-moiRhea Dillon



Quelles ont été vos principales inspirations lors de la réalisation de ce film?

Rhea Dillon: Je suppose que la principale influence ou référence était simplement de regarder la Grande-Bretagne noire, point final. Je suis donc tombé sur ce photographe du nom de Vanley Burke qui avait photographié la Grande-Bretagne noire depuis le Windrush, en particulier à Liverpool où se trouvaient les quais. Et c’était un photographe qui, d’une part, a réussi à nous capturer alors que tant de gens ne l’ont pas fait parce qu’ils ne pensaient pas que c’était quelque chose qui valait la peine d’être capturé, et deuxièmement, ils l’ont fait d’une si belle manière.

Évidemment, Mon d’Audre Lorde était vraiment important pour moi, car il permettait à l’histoire de sa vie de prendre de l’espace et de se tenir. Je ne pense pas qu’il y ait eu une autre biographie de ce niveau dans la sphère féminine noire queer.



Il y a quelque chose de vraiment puissant dans l'art noir en ce moment, où parce que nous avons tellement manqué de représentation, nous pouvons trouver une telle beauté en reflétant directement la vie de personnes qui se sont senties invisibles pendant si longtemps. Vous avez inventé l'expression «Afrofuturisme humain», qui met l'accent sur l'humanisation et le respect des corps noirs dans leurs contextes quotidiens et naturels, au-delà des récits de science-fiction et de fantaisie - est-ce votre façon d'honorer cela dans votre travail?

Rhea Dillon: Exactement. Autant l'afrofuturisme est aussi excitant qu'il est et permet une évasion bien nécessaire lorsque vous revenez à l'origine du terme, il s'agissait de l'avancement des Noirs dans la société, point final, avant que nous n'atteignions cette partie de la science-fiction. Sun Ra a parlé de nous venant d'une autre planète, nous attribuant même à être des extraterrestres. Au lieu de cela, je veux que les Noirs soient respectés ici dans notre société sur la planète Terre sans approfondir le récit. C'est donc ce qu'est l'afrofuturisme humain et, espérons-le, ce que mon travail canalise.

Je pense que Kerry James Marshall est quelqu'un qui travaille dans ce domaine. Même son tableau le plus célèbre est la fille marchant dans la rue avec un chien, comme littéralement juste une fille noire marchant dans la rue avec un chien! Mais quand vous y lisez, vous réalisez que vous n’avez même pas vu ce visuel auparavant, à quel point est-ce fou? La même chose avec Arthur Jafa, où même s'il utilise des images plus dures parce que la réalité pour les Noirs est si dure en Amérique, il ne fait que vous la renvoyer. Je parle souvent de mon travail comme de la réfraction de la société, et il reflète et réfracte littéralement ce qui se passe dans le monde, et tout le monde se dit «wow, c'est incroyable!» Mais c'est en fait notre vie.

Lorsque vous êtes noir dans la société, vous êtes toujours double; noir britannique, noir queer, afro-américain. Il y a toujours ces titres qui viennent avant même ce que vous faites, tandis que d'autres personnes se font simplement connaître par leur nom - Rhea Dillon

C'est tellement vrai. Je suppose que cela revient à la fantaisie comme à l'évasion plutôt qu'à votre réalité?

Rhea Dillon: Oui, car il y a définitivement un temps et une place pour l’afrofuturisme. Panthère noire C'était incroyable, mais en même temps, pour certains arts, je pense que montrer l'humanité a du sens.

Le film s’inspire donc également du concept de double conscience de W.E.B Du Bois? Est-ce aussi la raison pour laquelle vous avez opté pour un récit sur deux écrans?

Rhea Dillon: L’installation sur deux écrans provient de quelques références, et c’est une certitude. Lorsque vous êtes noir dans la société, vous êtes toujours double; noir britannique, noir queer, afro-américain. Il y a toujours ces titres qui viennent avant même ce que vous faites, tandis que d'autres personnes sont simplement connues par leur nom. Une autre signification vient d'une statistique publiée l'année dernière selon laquelle nous pouvons maintenant au minimum nous concentrer sur deux écrans, avec cette obsession que nous avons de sortir notre téléphone, etc. J'ai donc essayé de pousser cela plus loin lorsque nous sommes se promener là où le monde est un écran et notre téléphone est l'autre. Quand vous lisez cette statistique, vous pensez que c'est le cauchemar d'un réalisateur parce que vous voulez que les gens se concentrent sur cet écran dans lequel vous avez consacré tant d'efforts. J'ai donc décidé de prendre littéralement ces deux écrans sur lesquels nous sommes maintenant en mesure de nous concentrer et de les mettre devant vous, pour travailler avec les niveaux de concentration que nous possédons apparemment maintenant.

Diriez-vous que le changement de code et la double conscience vous ont touché dans votre propre vie?

Rhea Dillon: Absolument. J'ai grandi à Croydon mais j'ai fini par obtenir une bourse dans une école privée et je traversais Croydon tous les jours. Je prenais littéralement deux bus pour me rendre à l’école, le premier depuis ma maison dans ce qui est le quartier le plus pauvre, puis je croiserais dans un autre bus lorsque j’arriverais à South Croydon, un quartier vraiment chic.

Wow, c’est tellement symbolique.

Rhea Dillon: C'est vraiment le cas, en y pensant maintenant. Donc, même avec cela, vous changeriez naturellement. Vous auriez une double conscience de ce qui se passait et comment vous représenter.

Rhea Dillon, le nom que je m'appelle

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Pensez-vous que nous arriverons à un stade où la noirceur n’a plus besoin d’être fragmentée pour s’intégrer dans différents espaces?

Rhea Dillon: Cent pour cent. Aujourd'hui, par exemple, beaucoup plus d'artistes ne parlent pas de leur noirceur dans leur travail, ce qui est si important. Je n'ai pas à parler d'être noir; Je choisis de. Et c'est un choix pour le moment et peut-être pas pour toujours. Le mot-clé de ce projet était la liberté. C'est universel dans la façon dont il peut être reçu. Vous n'avez pas besoin d'être noir pour comprendre et respecter le message de Le nom que je m'appelle.

Pensez-vous que nous avons encore du chemin à parcourir pour découvrir pleinement toutes les nuances de la noirceur - avec ses intersections et sa politique interne - dans l'art noir et le cinéma?

Rhea Dillon: Nous faisons certainement. Lorsque je faisais des recherches pour ce projet, ce que j'ai trouvé, c'est que tant de gens quand ils parlent de noirceur parlaient simplement de noirceur afro-américaine. En lisant entre les lignes de ces discussions, vous réalisez qu’ils vous oublient souvent dans ces conversations et donc vous éliminent. Bien que nous ayons une expérience commune, il y a des choses que la Grande-Bretagne noire a séparées de l'Amérique - l'une des principales choses étant que nous avons tendance à connaître notre héritage plus directement, en raison de notre mouvement dans la diaspora.

Même en demandant aux gens ce à quoi ils pensent lorsqu'ils pensent au cinéma noir britannique, leur première réponse est soit Enfance / Âge adulte , ou ils n'en ont tout simplement aucune idée. S'adressant à l'ancienne génération, ils ont au mieux référencé Desmond's , qui était à la télévision principale pour la génération de ma mère et de ma tante. Et c’est vraiment triste. Avec le cinéma queer noir, le film principal qui est apparu était La femme de la pastèque . Il y a tellement de place et d'histoires à raconter, et je ne pense pas que nous aurons jamais fini de les raconter. Des gens comme Steve McQueen sont si importants, il tient et éloigne les choses de sa place au cinéma, même quand il ne parle pas toujours de la Grande-Bretagne noire.

Rhea Dillon, le nom que je m'appelle

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Pourriez-vous déballer certains des enregistrements vocaux que nous entendons tissés dans la bande originale?

Rhea Dillon: Le son est l'une de mes parties préférées du film! La bande originale a été composée par l'incroyable James William Blades , qui travaille avec Theaster Gates et Kahlil Joseph. Nous avons tous les deux une grande obsession sur la façon dont le son peut changer la façon dont le public se sent à l’unisson de ce qui est à l’écran. Il y a des extraits d'un enregistrement d'Audre Lorde faisant une conférence à l'UCLA, et ma réplique préférée est utilisée à la fin du film lorsqu'elle décrit comment son livre si bien accueilli lui a fait réaliser que ces histoires n'étaient pas racontées. Je pensais que c'était vraiment important par rapport à ce que j'essaie de dire à travers l'afrofuturisme humain, permettant aux gens d'être simplement vus. C'est aussi simple que ça.

Et dont le morceau joue dans la scène underground?

Rhea Dillon: La chanson est de Mme Carrie Stacks , anciennement connue sous le nom de Larry B. C'est une femme trans noire également du sud de Londres, diplômée du même cours que moi et la dernière personne que nous voyons dans le film. Elle est un véritable pilier de la scène gay noire britannique et vient de fonder ce nouveau projet AQEM (Association des minorités ethniques queer).

Le mot-clé de ce projet était la liberté. C'est universel dans la façon dont il peut être reçu. Vous n'avez pas besoin d'être noir pour comprendre et respecter le message de Le nom que je m'appelle - Rhea Dillon

Pouvons-nous parler de la belle distribution du film: des membres de BBZ , à Mme Carrie Stacks? Que signifient les personnages pour vous et pourquoi avez-vous choisi qui vous avez fait?

Rhea Dillon: J'ai donc tourné la majeure partie du film moi-même, ce qui était fou, sauf les enfants! Pour les enfants, j'ai travaillé avec cette agence appelée Looks Like Me, qui a également aidé avec Traiter , et toute cette agence est née lorsque Selma, la responsable, regardait la télévision avec sa fille, et sa fille a dit qu'elle voulait être comme le personnage blanc et blond de la série ... vous connaissez l'histoire. Et puis ils l'ont évidemment emmenée voir quelque chose avec une distribution plus diversifiée et sa fille lui a dit qu'elle aimait le film et a dit: `` elle me ressemble! '' Et c'est à ce moment-là qu'elle a décidé de créer une agence appelée celle qui se concentre sur les enfants de couleur. et en particulier les enfants noirs.

En ce qui concerne tout le monde, je voulais montrer différentes parties de la scène queer black britannique. Évidemment, BBZ, dont je fais partie, ainsi que des soirées club comme PDA. Mais je voulais aussi des gens qui faisaient partie de la communauté, mais pas nécessairement aussi étroitement liés. Par exemple, le parent et l'enfant sont tous deux non sexués. Et il s'agit de montrer aux gens qui font partie de la communauté queer qui font du yoga, que vous ne sauriez même pas qu'ils ne sont pas sexistes, mais cela ouvre cette conversation. Nous sommes dans la première génération à élever des enfants non sexistes et tout ce qui va avec, donc c'était vraiment important de les avoir dans le film. Tia et Mali sont comme mes grandes sœurs, après les avoir vues, vous voyez Yvonne Taylor et ses amies qui sont des lesbiennes noires. En Grande-Bretagne, ils ont été parmi les premiers à organiser des soirées queer noires que j'ai découvertes via Tia. Ces trois groupes faisaient partie de l'histoire de la scène que j'appelle `` Intérieur '', qui explore les familles queer, et comment parfois, lorsque vous vous identifiez comme queer, vous devez créer le vôtre, ou parfois vous pouvez rester heureux de rester en contact avec votre famille de sang.

Et dans l'incroyable scène d'ouverture?

Bruit de caisse enregistreuse par balle

Rhea Dillon: Cette scène s'appelle «Mort d'Angelo» - inspirée des statistiques du taux de mortalité au sein de la communauté queer. L'espérance de vie moyenne d'une femme trans noire est de 35 ans. Nigel Shelby, un jeune de 15 ans de la Huntsville High School, dans le nord de l'Alabama, s'est suicidé l'autre semaine après avoir été victime d'intimidation parce qu'il était gay. Être noir et ouvertement gay n’est pas facile. Je voulais - j'avais besoin - d'une scène qui faisait référence à cela.

Aussi, Kai (Isaiah Jamal) , qui fait également partie de BBZ et un poète étonnant, est dans le film à la toute fin. J'ai mentionné comment dans sa poésie il parle souvent de la mort. Plus précisément, dans un vers d’un poème intitulé «Garçon» qui est absolument magnifique - «Le garçon n’est pas né, donc le garçon n’est pas né». En tant qu'homme noir trans, il parle de ne pas être né dans le bon sexe, donc techniquement est-il même né? Cette ligne m'a vraiment frappé. Voilà donc ce qu’est «Mort d’Angelo», avec Angelo signifiant «ange» au masculin. Cette scène tente de renverser l'idée de la mort - ce qui peut être pour certaines personnes de leur famille. Ainsi, le casting est divisé en «pleureuses» et ensuite les gens qui dansent sont des «spirituels», qui reviennent en fait à la vie. Le violet dans le drapeau LGBTQ représente les esprits et c'est pourquoi les écharpes Zami que j'ai commandées pour les vidéos sont bordées de violet. S'identifier comme noir britannique et queer, pour moi, c'est être libre.

Rhea Dillon, le nom que je m'appelle

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