Olafur Eliasson veut que vous voyiez, entendiez, touchiez, sentiez et goûtez son art

Faire de l'art, pour moi, c'est être en dialogue avec le monde. Les gens n'aiment pas toujours mes idées ou mes œuvres d'art, mais je suis quand même reconnu comme un orateur, comme un contributeur, ce qui me fait sentir que je fais partie de l'époque dans laquelle je vis. C'est crucial pour moi, car cela me permet de être conscient de ma propre existence.

C’est cette citation que j’ai lue dans l’artiste danois-islandais Olafur Eliasson Monographie publiée par Phaidon, Vivre , c’est dans mon esprit lorsque j’entre dans la Tate Modern pour voir sa rétrospective qui vient d’ouvrir, Dans la vraie vie . L’art d’Eliasson vous rappelle que vous êtes physiquement présent, que vous êtes un corps, pas seulement un esprit. Au fur et à mesure que vous vous déplacez dans ses œuvres, vous êtes souvent obligé de vous faufiler autour de la sculpture circulaire mur à mur Comment vivons-nous ensemble (2019), de marcher dans un kaléidoscope géant (`` Your Spiral View '', 2002) ou de traverser Din Blinde Passager (Your Blind Passenger) (2010), une salle de 39 mètres de long remplie de brouillard et de lumières colorées.



Eliasson est un artiste qui dit que «les sentiments sont des faits». Il demande au public d'être coproducteur de l'œuvre et place ainsi l'expérience au centre de sa pratique, en utilisant non seulement la vue, mais aussi le son, le toucher, l'odorat et même le goût. Bien qu'une grande partie de son travail semble se prêter à notre appétit insatiable pour la culture de l'expérience et à la nécessité de la documenter et de la partager avec d'autres en ligne, les années au cours desquelles beaucoup d'entre elles ont été créées sont souvent antérieures aux médias sociaux. En fait, malgré les qualités pittoresques, son art est mieux expérimenté hors ligne et dans la vraie vie - c'est peut-être pourquoi Eliasson et le conservateur principal de la Tate Modern, Mark Godfrey, ont décidé de l'appeler comme ça. Avec Dans la vraie vie Après notre lancement à l'institution londonienne ce week-end, nous discutons avec Godfrey de l'importance de sortir de derrière nos écrans pour expérimenter et ressentir l'art en temps réel.

Il donne aux gens la chance de vivre une expérience très sensorielle ... Ce n’est pas seulement une question d’information, il s’agit de toucher, d’entendre, de voir, de sentir et de goûter - Mark Godfrey

C'est un énorme spectacle - plus de 40 œuvres. Y avait-il des thèmes que vous suiviez lorsque vous décidiez de ce qu'il fallait inclure?



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Mark Godfrey: Au lieu de nous concentrer sur l’un des thèmes clés du travail d’Olafur, nous voulions avoir une gamme complète, et cela signifiait remonter en 1990, aux œuvres qu’il réalisait alors qu’il était encore en école d’art. Il y a aussi cinq ou six nouvelles œuvres qui ont fait leurs débuts au salon. Avec cette durée de travail de 30 ans, il y a eu trois grands axes d'intérêt. L'un est la nature; œuvres qui pourraient être une cascade, le «Mur de mousse» (1994) , ou alors les Glacier série (1999) . Un autre est la géométrie; les kaléidoscopes tels que «Cold Wall Sphere» (2012) . Et une autre est la perception - eh bien, toutes ses œuvres impliquent la perception - mais fonctionne comme le tunnel de brouillard ( «Your Blind Passenger», 2010 ) ou alors «Big Bang Fountain» (2014) . Des œuvres qui traitent de la façon dont vous percevez (les choses), de leur «image après» et du sens que vous avez lorsque vous êtes avec elles qui vous rend plus conscient de vos sens.

Nous voulions également regarder l'intérêt qu'il porte à son entreprise sociale, à ses campagnes, ce qui signifiait consacrer un espace dans le spectacle, ou ce que nous appelons le `` studio agrandi '', qui regarde le travail intellectuel du studio, et le recherche qui se déroule là-bas. Fonctionne comme «Ice Watch» (2014/2018) . La dernière chose concerne le rôle que joue la cuisine dans le studio de Berlin, l'importance que jouent les questions liées à l'alimentation. Nous avons mis en place une collaboration entre le restaurant Tate et sa cuisine de studio afin que certaines personnes puissent venir à l'exposition et ensuite aller déjeuner, et avoir une idée de la nourriture bio et végétarienne qui est servie dans le studio d'Olafur tous les jours.

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Mur de mousse (1994). Mousse de renne, bois, fil.Variable de dimensionsVue de l'installation: Leeum, Samsung Museum of Art, Séoul, 2016 Photo par Hyunsoo Kim © 1994 Olafur Eliasson Avec l'aimable autorisation de l'artiste; neugerriemschneider, Berlin; Galerie Tanya Bonakdar, New York / Los Angeles © 1994Olafur Eliasson



L’un des courants de croyance d’Olafur est que «les sentiments sont des faits». Vous écrivez dans votre essai dans le catalogue de l'émission que les sentiments pouvaient mener à l'action et qu'Olafur pensait que c'était la raison pour laquelle il créait de l'art. Pensez-vous qu'il incombe au spectateur d'agir après avoir visionné ses œuvres?

Mark Godfrey: Non, je ne pense pas qu’il leur confierait la responsabilité d’agir. C'est plus qu'il pense que lorsque vous êtes dans un espace avec d'autres personnes, vous devenez plus conscient de vous-même en tant que personne sensible et en tant que personne sociale dans un espace avec d'autres personnes. Mais ces deux choses combinées, et les sentiments que vous avez dans cet espace avec d'autres personnes, vous rendent plus conscient de votre corps, par exemple. Ou votre vue et votre conscience peuvent conduire à un grand sens des responsabilités. C’est une série de pensées très abstraites et ce n’est pas directement pour dire qu’il veut que les gens se sentent responsables, mais il pense que cela peut être un effet de l’art. Je sais que c’est une grande revendication à faire, et certaines personnes la contesteront - vous regardez dans le kaléidoscope et voyez votre reflet, mais cela n’ajoute pas un grand sens des responsabilités. Mais certaines personnes accepteraient ses affirmations. En tant que conservateur, ce n’est pas vraiment notre rôle de dire si ces affirmations sont vraies ou non, mais nous pouvons les présenter ainsi que le travail du mieux que nous pouvons. Et soyez clair pour les gens que ce qu'il croit que son travail fait, ou ses plus hautes ambitions de travail, de sentiment et de responsabilité, les gens peuvent évaluer ces affirmations par eux-mêmes.

Quand je suis passé dans la salle de brouillard («Der Blinde Passager / Your Blind Passenger», 2010), c'est à ce moment-là que je me suis vraiment attaché au travail, vous ne pouvez pas échapper à vos sens lorsque vous expérimentez quelque chose comme ça.

Mark Godfrey: Le brouillard vient d'être dans la nature mais travaille également avec la perception. Si je devais vous demander, immédiatement après votre départ, quelles couleurs vous avez vues là-dedans, vous avez peut-être dit que vous avez vu du bleu. Mais il n’ya pas de lumière bleue - la lumière bleue vient de vos yeux compensant le jaune dans lequel vous venez d’être. Il y a deux lumières; jaune et blanc. Le bleu est une «image après».

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Cet espace est également intéressant en raison de son intérêt pour le «nous». Ce que signifie former un «nous» et avoir un sentiment accru d’être avec d’autres personnes. Dans le couloir de brouillard, vous avez un sentiment très différent d'être proche des autres que vous le feriez sur un tube bondé. C’est la même chose avec beaucoup de ses œuvres.

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Din blinde passager (Votre passager aveugle) (2010). Lampes fluorescentes, lampes mono-fréquence, machine à brouillard, ventilateur, bois, aluminium, acier, tissu, feuille de plastique.Variable de dimensionsVue de l'installation au ARKEN Museum of Modern Art, Copenhague, 2010. Photo par Thilo Frank / Studio Olafur Eliasson Avec l'aimable autorisation de l'artiste; neugerriemschneider, Berlin; Galerie Tanya Bonakdar, New York / Los Angeles © 2010Olafur Eliasson

De nombreuses œuvres d’Olafur ont été créées avant une nouvelle ère de notre expérience de l’art, à travers nos téléphones. Comment cette idée de «culture d’expérience» interagit-elle avec le travail d’Olafur?

Mark Godfrey: Eh bien, il y a une longue histoire dans laquelle l'art est une expérience et une expérience avec laquelle vous pouvez vivre une expérience immersive. Cela a vraiment débuté au milieu des années 60 et Olafur s'inspire d'histoires différentes d'autres artistes qui le font, mais il le fait à un moment historique différent où la façon dont nous pensons à la façon dont l'expérience a beaucoup changé en raison du nombre d'expériences plus médiatisées et plus.

J’ai passé beaucoup de temps à lui en parler. Beaucoup de ces œuvres («Moss Wall», «Beauty», les premières chutes d’eau, «The Weather Project») sont toutes antérieures aux téléphones portables équipés de caméras. L'une des questions auxquelles Olafur est actuellement confronté est ce qui se passe lorsque vous présentez ces œuvres à un public qui les expérimente avec son téléphone. Qu'est-ce qui est perdu et qu'est-ce qui est gagné? Je pense qu’il est très ambivalent à ce sujet parce que d’une part, j’ai été avec lui dans de nombreux endroits et il est la première personne à prendre un selfie et à aimer jouer avec une caméra - tout comme moi, c’est ce que nous faisons. Nous entrons dans un espace conscient du téléphone dans notre poche. Il est très rapide de sortir votre téléphone et de prendre un selfie et je ne pense pas qu'il critique les gens qui font ça, mais on a le sentiment que ce n'est pas la seule façon de faire l'expérience et que si c'est la seule façon de l'expérience alors quelque chose se perd. Je dirais que l’expérience de son travail avec votre téléphone n’est pas quelque chose qui doit être méprisé, mais ce n’est pas non plus quelque chose qui peut remplacer l’expérience de son travail sans votre téléphone. Mais parce que c’est ce que tout le monde fait maintenant, je pense qu’il doit réfléchir et réfléchir à ce que cela signifie.

Une pensée intéressante car le titre lui-même est Dans la vraie vie , pouvez-vous développer ce que cela signifie?

Mark Godfrey: Il y a deux ramifications à cela. Le premier vient de l’expression «IRL» et de l’idée que vous devez en faire l'expérience dans la vraie vie. Voir des photos de l'émission sur Instagram ou sur n'importe quelle plateforme ne remplace pas le fait d'être réellement dans l'espace avec votre téléphone. Une fois que vous êtes dans l’espace, que vous traversez le «passager» ou que vous sentez le «mur de mousse», ces expériences se déroulent avec vos sens au fil du temps plus que n’importe quelle image. La deuxième idée est que sa pratique se déroule dans le monde réel et pas seulement sous des formes et des couleurs, mais il aborde le monde réel de la migration, de l'énergie solaire, des énergies renouvelables ou de l'urgence climatique. Il peut y avoir de nombreux artistes qui se préoccupent principalement de la couleur, qui ne pensent pas nécessairement au monde dans lequel nous vivons mais qui pensent aux deux.

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Beauté (1993). Projecteur, eau, buses, bois, tuyau, pompe.Variable de dimensionsPhoto par Anders Sune Berg avec l'aimable autorisation de l'artiste; neugerriemschneider, Berlin; Galerie Tanya Bonakdar, New York / Los Angeles © 1993Olafur Eliasson

Il y a de grandes questions politiques qu'il aborde, telles que la migration et le changement climatique. Pouvez-vous parler davantage de la Glacier série, l'une est une série d'images qu'il a prises de glaciers en Islande en 1999 et l'autre est les mêmes glaciers prises en 2019.

Mark Godfrey: À mi-chemin du spectacle, nous allons supprimer ceux de 1999 et les remplacer par de nouvelles images. L'Islande a toujours été importante pour Olafur et en 1999, il a travaillé avec un fermier qui avait un petit avion et qui a survolé, je pense, 42 glaciers différents, photographiant leurs langues. Il est maintenant de retour là-bas en train de refaire la même chose. Il m'a montré la première photo il y a quelques semaines et me l'a montrée à côté de celle sur le mur, et vous pouvez voir la différence entre elles. C'est assez surprenant et effrayant. Cela va donc entrer dans la série plus tard.

Avec «Ice Watch», vous pouvez voir la glace fondre en temps réel.

Mark Godfrey: «Ice Watch» est la manière la plus claire d’essayer d’expliquer cette idée de «les sentiments sont des faits». Olafur dirait qu'on nous présente souvent des informations sur l'urgence climatique à travers un discours de peur et de catastrophe; que le monde va s'éteindre, que nous sommes dans une situation d'urgence, et ainsi de suite. Maintenant, ce n’est pas qu’il soit en désaccord avec ces choses, il a une grande admiration pour Extinction Rebellion, mais son processus et sa façon de faire face à l’urgence climatique sont très différents des leurs. «Ice Watch» en est un bon exemple. Il dirait qu'en apportant la glace dans une ville comme Copenhague, puis Paris, puis Londres, il donne aux gens une chance de vivre une expérience très sensorielle avec la glace plutôt que de voir un reportage sur l'actualité. Il ne s’agit pas seulement d’informations, il s’agit de toucher, d’entendre, de voir, de sentir et de goûter la glace. Dans «Ice Watch», vous pouvez le toucher, mais vous pouvez aussi le sentir, et il l’écoutait aussi alors qu’il commence à fondre, de minuscules petites bulles jaillissent en son sein. Donc, tout cela s'ajoute à ce qu'il pense être une rencontre très sensorielle avec la glace qui produit des sentiments. Et les sentiments sont plus qu'une simple réponse intellectuelle mais aussi émotionnelle. Les sentiments peuvent être liés au soin ou à l'amour de ce que vous regardez, et ces sentiments peuvent être mobilisés en action, car en vous souciant davantage de la glace à travers les sens, vous pourriez devenir plus susceptible d'apporter des changements dans votre vie qui pourraient être une bonne réponse à l'urgence climatique.

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Montre de glace. Blocs de glace glaciaire. Dimensions variables. Prise en chargepar BloombergInstallation: Bankside, à l'extérieur de la Tate Modern, 2018 Photo par Charlie Forgham Bailey © 2018 Olafur Eliasson etMinik Rosing

Dans votre essai dans le catalogue, vous écrivez que les artistes se sont souvent méfiés de travailler avec les sentiments, mais qu'Olafur ne s'y dérobe jamais. Pouvez-vous en parler davantage?

Mark Godfrey: Quand j'écrivais l'essai, (j'écris cela) beaucoup d'autres personnes se sont montrées très méfiantes à l'idée de travailler avec les sentiments. Ils diraient comment Donald Trump travaille avec les sentiments, ou comment la campagne du Brexit a fonctionné avec les sentiments, et à quelle fréquence ce sont les gens de droite qui mobilisent les émotions ou la peur, souvent dans des objectifs politiques très réactionnaires.

Je pense que d’autres artistes sont sceptiques quant au travail avec les sentiments, car ils ont tendance à penser que c’est le droit qui consiste souvent à manipuler les sentiments afin de créer des mouvements politiques réactionnaires. Au XXe siècle, le pire des cas, bien sûr, était le fascisme, lorsque des sentiments de grande fierté nationale ont conduit à soutenir Hitler. C’est d’où vient un certain scepticisme, mais je pense qu’Olafur dirait «non». Vous pouvez les canaliser de la bonne manière ».

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Je voulais aussi vous parler de la perturbation de l'espace. Amener des blocs de glace de l'Arctique au centre de Londres est une perturbation de cet espace naturellement, le «mur de mousse» est aussi une perturbation.

Mark Godfrey: Eh bien, si vous placez le «mur de mousse» à l’extérieur du bâtiment, ce serait complètement différent de l’œuvre (quand elle est à l’intérieur). Le 'Moss Wall' fonctionne en prenant un espace de galerie conventionnel, qui a généralement des murs blancs, est rectangulaire, est assez propre, et vous couvrez l'un des murs de mousse, et soudainement la pièce est perturbée parce que quelque chose qui est organique et vivant recouvre un mur entier. Il ne s'agit pas de son apparence, de son odeur ou de son toucher, mais de l'idée que, dans les conventions de l'espace du cube blanc, la mousse est une perturbation qui introduit quelque chose de vivant dans une pièce d'architecture où vous ne le faites généralement pas. avoir quelque chose.

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Particule de poussière d'étoile (2014). Acier inoxydable, verre filtre miroir translucide, fil, moteur, projecteur1760 millimètreTate. Photo de Jens Ziehe, 2017 © 2014Olafur Eliasson

Même avec les kaléidoscopes, par exemple, il y a une perturbation lorsque nous les regardons. Parce que les reflets ou les surfaces réfléchissantes, on assimile généralement avec clarté ou clarté, mais avec un kaléidoscope, on vit une distorsion de la réalité. Essaie-t-il de créer de nouvelles façons de penser le monde qui nous entoure en perturbant ce que nous voyons naturellement?

Mark Godfrey: Il prétend qu'un kaléidoscope vous donne une perspective différente du monde. Dans celles qu'il vous fait traverser, vous vous voyez à la fois vous-même et l'arrière de vous-même. Au lieu de contrôler l'espace que vous traversez, vous perdez le contrôle. Si vous marchez dans un long couloir ou entrez dans un grand espace, vous vous sentez comme le centre (de celui-ci) et regardez autour de vous avec contrôle depuis l'endroit où vous vous trouvez. Si vous regardez un miroir sur le mur, vous voyez également l'espace derrière, mais vous avez toujours le contrôle. Donc, avec le kaléidoscope, vous les traversez, fracturant l'image en plusieurs plans différents, vous n'avez plus le contrôle et pouvez provoquer des sentiments de vulnérabilité ou simplement avoir une perspective différente et je pense que c'est ce qui l'intéresse. Le premier niveau de la rencontre avec ses kaléidoscopes est amusant, et je ne voudrais pas oublier cela ou paraître vraiment pompeux, mais il y a un deuxième niveau, et c'est aussi dans une grande partie de son travail. Donc, le premier niveau est extrêmement accessible, très amusant et beaucoup de plaisir, mais il y a un deuxième niveau où vous pensez à l'expérience et comprenez, par exemple, que vous n'êtes pas, disons, le roi de l'expérience ou contrôlez autant que vous le seriez dans une situation spatiale différente. Et c’est ce qu’est le deuxième niveau - c’est là que toutes les idées d’Olafur entrent en jeu.

In Real Life se déroule à la Tate Modern de Londres jusqu'au 5 janvier 2020