Huit œuvres d'art «invisibles» que vous devriez voir par vous-même

La semaine dernière, des dessins à l’encre invisible ont été découverts sur l’un des tableaux de Jean-Michel Basquiat, Sans titre (1981), de la conservatrice d’art new-yorkaise Emily Macdonald-Korth. Macdonald-Korth a décrit le fait de faire briller une lumière UV sur le tableau lorsqu'une flèche est apparue, expliquant qu'elle devait allumer et éteindre les lumières pour vérifier qu'elle ne voyait pas les choses. Je n’ai jamais rien vu de tel, se souvient-elle. Il a essentiellement fait une partie totalement secrète de cette peinture. Alors que Basquiat était connu pour son utilisation de codes, de symboles et de significations secrètes tout au long de son travail, faisant souvent allusion à des thèmes d'effacement et d'invisibilité en utilisant des mots barrés et des couches de couleur qui étaient continuellement grattés et réappliqués, l'utilisation d'encre invisible est une découverte passionnante dans son histoire.

Mais Basquiat n’a pas été le premier artiste à explorer l’invisible. Andy Warhol était également connu pour utiliser des encres indétectables, tandis que David Hammons l'abordait d'un point de vue conceptuel, et d'autres, comme Kerry James Marshall et Tania Bruguera, ont utilisé l'invisibilité dans un sens métaphorique pour représenter l'effacement culturel causé par l'oppression.



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Ci-dessous, nous regardons huit artistes qui ont exploré la relation entre le vu et l'invisible.

ANDY WARHOL'S DOUBLE TORSE (1966) ET SCULPTURE INVISIBLE (1985)

Andy Warhol a créé un certain nombre de peintures pornographiques au milieu des années 1960 en utilisant des encres fluorescentes uniquement visibles sous la lumière UV. L'une de ces œuvres était Double Torso (1966), qui a été faite comme une déclaration contre les lois de censure interdisant la pornographie à l'époque. Il faisait partie d'une plus grande série appelée Parties du sexe et torse qui a fait ses débuts au Grand Palais à Paris en 1977, alors que Warhol avait presque 50 ans. Les images, qui étaient festives dans leur représentation de la sexualité masculine, seraient une affirmation finale de l'homosexualité longtemps cachée de Warhol.

Il est possible que Basquiat ait été influencé par l’utilisation de matériaux UV par Warhol, car les deux étaient des amis proches pendant un certain temps dans les années 1980, Warhol agissant comme une sorte de mentor pour Basquiat. L'invisibilité est un thème récurrent dans l'œuvre de Warhol, un intérêt qui est peut-être né de sa propre expérience de surexposition en tant que célébrité. En 1985, Warhol a produit et installé Invisible Sculpture dans la célèbre discothèque Area du centre-ville de New York. Le concept était de montrer que l'absence de quelque chose pouvait être de l'art. Cette pièce de performance l'a vu se tenir brièvement sur un socle, laissant avec elle une petite lecture murale et une déclaration que son aura resterait avec le piédestal.



Andy Warhol Double Torse 1966

Double torse (1966)via Artnet

KERRY JAMES MARSHALL'S UN PORTRAIT DE L'ARTISTE COMME L'OMBRE DE SON ANCIEN SOI (1980)

Au cours de sa carrière, le maître peintre Kerry James Marshall a créé un certain nombre de portraits inspirés du livre de Ralph Ellison de 1952 Homme invisible . Ces peintures, comme le livre, exposent la visibilité paradoxale de la noirceur par rapport aux manières systémiques par lesquelles les identités noires ont été rendues invisibles à travers l'histoire américaine. A Portrait of the Artist as a Shadow of His Former Self est la première de sa série invisible et reste l’une des œuvres phares de Marshall. Le peintre de 63 ans a décrit l'autoportrait, avec sa caricature fantomatique au visage noir, comme une présentation de la simultanéité de la présence et de l'absence - en d'autres termes, ce que signifie être réel mais invisible. Deux diptyques, intitulés Two Invisible Men (Lost Portraits) (1985) et Two Invisible Men Naked (1985), contrastent le défaut familier d'une toile blanche, contre une étrange figure noire, presque mythique, ombragée. Par l'utilisation de la couleur et de la suggestion, Marshall renforce l'idée politique et esthétique que la visibilité est le pouvoir.

Kerry James Marshall: Un portrait de l'artiste comme ombre

Portrait de l'artiste comme l'ombre de son ancienSoi-même ', 1980via Artsy



SPECTACLE SANS TITRE DE DAVID HAMMOND (1995)

Un autre artiste qui a construit une carrière autour de la politique de visibilité, avec des œuvres qui se demandent qui a le droit à l'autorité et pourquoi David Hammons. L'artiste new-yorkais, aujourd'hui âgé de 72 ans, est réputé pour son insaisissable. Bien qu'il soit l'un des artistes les plus influents et les plus demandés de son temps, il n'a jamais été représenté dans une galerie, vend souvent des œuvres directement depuis son studio et accepte rarement des interviews ou des spectacles. Cela a du sens, car Hammons n'a cessé de creuser les prétentions et l'élitisme du monde de l'art tout au long de sa carrière.

Pour Untitled Show, Hammons a organisé une exposition sans titre et non annoncée dans un magasin de New York. Dans le style typique des Hammons, la pièce a dépassé et, à certains égards, se moquait du monde de l'art. Les sculptures non étiquetées de l’artiste ont été exposées côte à côte avec les objets africains et asiatiques vendus dans le magasin, et nombre de ses pièces incorporaient également des articles de la boutique. Hammons, comme Basquiat, a un penchant pour les symboles et les significations cachées - ici, il joue avec les questions de frontière et de camouflage d'une manière plus conceptuelle. Les œuvres d'art présentées atteignent leur invisibilité en se fondant dans une myriade d'objets du quotidien. La partie la plus invisible de toutes ... nous n’avons pu trouver aucune documentation à ce sujet.

David Hammons

Photographie de David Hammons (1980). Épreuve à la gélatine argentique, 16 x 20 '(40,6 x 50,8 cm). Collection du monde de l'art Timothy Greenfield-Sanders. Les archives du musée d'art moderne,New York© 2017 Timothy Greenfield-Sanders,via MoMA

YVES KLEIN'S SENSIBILITÉ PICTORIELLE IMMATÉRIELLE (1985)

Yves Klein affirme avoir réalisé sa première œuvre d'art sur une plage avec deux amis à l'âge de 19 ans lorsqu'il a déclaré qu'il signait le ciel avec son doigt. Ce fut le début d'une ligne de pensée conceptuelle qui deviendra par la suite une carrière artistique dédiée à la dématérialisation de l'objet d'art. Comme Warhol, Klein était intéressé par l'idée qu'un manque de présence pouvait aussi être de l'art. En 1958, l'artiste met en scène une exposition totalement dépourvue de contenu physique, à l'exception d'un seul cabinet. Il a invité des milliers de personnes dans cette salle vide et blanchie à la chaux, et a affirmé que l'espace était saturé d'un champ de force si tangible que certaines personnes étaient incapables d'entrer dans l'exposition comme si un mur invisible les en empêchait.

Yves Klein, Exposition invisible

The Void (1958) à la galerie Iris Clert,Paris Photovia yvesklein.com

MAURIZIO CATTELAN'S SANS TITRE (PLAINTE) (1991)

En 1991, Maurizio Cattelan était confronté à un dilemme artistique; il n'avait pas encore produit une œuvre d'art pour une prochaine exposition. Dans un classique, mon chien a mangé mon moment de devoirs, Cattelan est allé à la police et a signalé le vol de ses œuvres d'art inexistantes. Il a ensuite présenté ce rapport de police dans l'exposition. Le travail de Cattelan est souvent humoristique, et cette pièce - ou son absence - ne fait pas exception. En plus de bien rire, il est probable que l'invisibilité de l'œuvre d'art volée fait référence à des œuvres conceptuelles antérieures telles que Erased de Kooning de Robert Rauschenberg (1953), ou l'une des nombreuses expérimentations d'Yves Klein avec le vide, comme mentionné ci-dessus.

Maurizio Cattelan sans titre (Denunzia) 1991

Sans titre (Denunzia) (1991)via imageobjecttext.com

aya et la sorcière ghibli

HITO STEYERL’S COMMENT NE PAS ÊTRE VU: UN FUCK DIDACTIQUE (2013)

Hito Steyerl est connue pour sa pratique d'écriture farfelue mais profondément rigoureuse, ses films et ses conférences performatives, dans lesquelles elle considère les thèmes pressants de la mondialisation, du néolibéralisme et de l'ingérence des entreprises. Dans ce Satire de 14 minutes c'est tout sauf didactique, l'artiste et théoricienne allemande éduque ses téléspectateurs sur la manière d'atteindre l'invisibilité à l'ère numérique de la surveillance omniprésente. Certains conseils précis sur la façon de ne pas être vue comprennent le fait d'être une femme de plus de 50 ans et de porter une burqa. À un moment donné, une voix générée par ordinateur racontant la pièce déclare sèchement: Aujourd'hui, les choses les plus importantes veulent rester invisibles: l'amour est invisible, la guerre est invisible, le capital est invisible.

Hito Steyerl, Comment ne pas être vu

Une image de Comment ne pas être vu: une baiseDidactique (2013)via eyefilm.nl

10 148 451 de TANIA BRUGUERA (2018)

Dans cette pièce prémonitoire, l'artiste cubaine Tania Bruguera invite les spectateurs à travailler ensemble pour activer l'œuvre d'art placée sur le sol du Turbine Hall. Le sol de l'institution est peint avec une peinture thermosensible qui permet aux spectateurs de laisser une empreinte temporaire d'un corps sur le sol avant qu'il ne redevienne gris. Bien sûr, il y a une signification plus profonde en jeu. Si suffisamment de personnes chauffent le sol en même temps, une image à grande échelle apparaît d'un portrait d'un jeune demandeur d'asile arrivé de Syrie en 2011. Le message ici est fort et clair: nous, le peuple, avons le pouvoir, quand nous se rassembler, pour donner à ceux qui n'ont pas de voix la visibilité dont ils ont besoin.

LE LABYRINTHE INVISIBLE DE JEPPE HEIN (2005)

Grâce à la technologie infrarouge, Jeppe Hein a transformé une galerie d’art en un labyrinthe invisible, en fournissant aux visiteurs des écouteurs numériques qui vibrent chaque fois qu’ils heurtent l’un des murs invisibles du labyrinthe. Le résultat a été une expérience ahurissante et désorientante, qui a vu les visiteurs essayer de naviguer sur des itinéraires indéterminables, se heurter à des barrières invisibles et essayer de déchiffrer leur environnement. Hein a conçu sept labyrinthes différents au total, et, juste pour plus de fluage, l'un d'eux était basé sur le film à suspense psychologique de Stanley Kubrick de 1980, Le brillant .

Jeppe Hein, Labyrinthe invisible

Labyrinthe invisible (2005)via Jeppe Hein